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Blue Orange Green Pink Purple

El blog de la música americana original

Country

Johnny Cash:
"American VI - Ain´t No Grave"

Primeras impresiones de un disco que impresiona

Por Dr. Fernando Gil
Rock Blues Country Clásicos

















Finalmente, me ha llegado, como anticipo, el nuevo disco de Johnny Cash, "American VI, Ain't No Grave".

El mismo, en el conjunto de las diez canciones, presenta una duración de 32 minutos, a lo largo de los cuales puede disfrutarse de la muy emotiva voz de Johnny Cash de esos tiempos.

Es lógico que en 2003, a poco de la muerte del artista, y con todos los trastornos de salud y anímicos que padecía, la voz hubiera perdido parte de la potencia de sus años jóvenes. Sin embargo, ello está lejos de ser un contrapeso para el álbum, sino que, por el contrario, le agrega una calidez y emotividad mayor aún.

De todos modos, y anticipándome a lo que seguramente es la duda mayoritaria, la voz de Cash SI ESTABA en condiciones suficientemente aptas como para grabar este valiosísimo documento histórico. Es decir, no era la voz del Johnny Cash de los años 60 o 70, pero sí estaba en forma suficiente como para justificar la édición del disco.

Las canciones, lógicamente, son todas de carácter reflexivo y meditabundo, con ritmo de country blues, algunas de ellas tenuemente aceleradas hacia una especie de vals, aunque siempre transmitiendo calma y paz. La única canción diferente, es la que da nombre al álbum: ain't no grave, que tiene una instrumentación en forma de marcha al estilo de 'God´s Gonna Cut You Down'. Las restantes, tienen a la guitarra como cálida y melancólica compañia. Justamente, melancolía es el principal sentimiento que despierta la escucha general del disco. Veamos las canciones en particular:

01 – 'Ain’t No Grave': Lo dicho, su estilo instrumental la diferencia del resto. Es que tiene un fondo de marcha, similar a 'God´s Gonna Cut You Down', de American V. Es el tema más difundido, pero no el más disfrutable. En el video, pueden advertir la similitud con el otro tema mencionado.



02 – 'Redemption Day'
: Aquí Johnny imprime un poco más de energía que en el resto, en un tema muy reflexivo y melancólico. También es el más largo del compilado, con 4'22" de duración total.

03 – 'For The Good Times': Ya lo habíamos escuchado, es quizá el tema en el que la voz de Cash tiene mayor cuerpo. También es el que tiene más ritmo instrumental. En definitiva, el tema más completo y uno de los puntos fuertes del álbum. Country blues puro.



04 – 'I Corinthians 1555': Había muchas expectativas con relación a este tema, ya que lo compuso el propio Cash, es quizá su última composición. El tema comienza 'a capella', una especie de plegaria u oración con una voz desgarradora, plena de emoción. Apenas una guitarra acompaña al cantante con un tinte melancólico. Por el contenido, es una canción gospel. Por el ritmo, country blues, como la totalidad del compilado.

05 – 'Can’t Help But Wonder Where I’m Bound': Bastante más instrumentada que la anterior, con un arranque de guitarra para dar paso de inmediato a la cálida voz de Cash. Es de las más encendidas del álbum, de mayor continuidad ritmica para mejor decir. A mi me ha encantado, 10 puntos.

06 – 'Satisfied Mind': Una balada country blues, similar a la anterior. Es parecida a 'It's Nothing New Baby' que Cash cantara en 1980 para "Rockabilly Blues". Cash alza su voz, sin que se traduzca la más mínima imperfeccción. Otros 10 puntos. Seguramente fue grabada uno de sus mejores días.

07 – 'I Don’t Hurt Anymore': También de las más movidas (sin dejar de ser una suave balada), la voz predomina sobre la instrumentación (sólo una guitarra que acompaña el canto), y también se eleva cuando hace falta. Muy buen tema.

08 - Cool Water': Blues puro. Estructura reiterativa, ritmo tenue y clima blues. Otros 10 puntos. Es casi increíble oir a Cash con un tono cálido pero firme.

09 – 'Last Night I Had The Strangest Dream'
: Es casi un valsecito, sin apartarse del estilo reflexivo, pero con alguna continuidad rítmica mayor. Es una de las que más me ha gustado.

10 – 'Aloha Oe': Sensacional balada blues, con un lamento de guitarra impresionante ante la sostenida interpretación vocal de Johnny. Uno de los puntos fuertes del álbum sin dudas.

En general, la estructura de las canciones es muy similar, excepto 'Ain't No Grave'. En este video, pueden oir un fragmento de cada una de las diez canciones que integran "American VI":



Muy recomendable disco, que, además de su valor musical, tiene el condimento de tratarse de un documento histórico. No dejen de disfrutarlo, por nada del mundo. Este un gran momento musical, sin dudas.
Leer más 2 comentarios | Publicado por Andoni Urkiaga | edit post
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Entrevista a Vane Ruth:

"Mi objetivo es difundir la música country en Argentina"

Desde el cono sur nos llega esta artista pionera femenina, que rompe fronteras y barreras idiomáticas para confirmar que la música country no se circunscribe a Norteamérica, sino que es una música internacional que se vive y se siente en cada país de una manera diferente y, sin embargo, con un sentimiento común.

Y Vane Ruth, "la niña mimada del country", abre el camino para que otros artistas y otros grupos compongan su propia música en su propio idioma y vivan la música country a su manera.

Vane es una joven y atractiva artista argentina que ha editado su primer disco "Pueblo Atrás", 100% country , 100% cantado en español, y compuesto por ella casi al 100%...

Creo que lograr hacer creíble su música tiene mérito. Pero es que además, nos encontramos con una cantante con buenas maneras, buena voz y sensibilidad poética.

Ningún primer disco es fácil pero Vane ha tenido buenos compañeros de viaje, comenzando por Yulie Ruth, su marido y mentor cuya inspiración y consejo se ha dejado sentir a lo largo de este trabajo.

Cuentan en su MySpace que Vane Ruth nació en Buenos Aires un 6 de Noviembre de 1979 y a corta edad se mudó con su familia a San Luis, donde creció. De niña le gustaba participar en eventos escolares y regionales junto a su grupo de coral "Pequeño Amanecer". Tuvo varios trabajos hasta que conoció a Yulie Ruth, músico y cantautor country, con el que comienza a desarrollarse como cantante y compositora, también de música country.

Tras una primera demo "Auge de mis Sueños" en mayo de 2008 graba su primer trabajo "Pueblo Atrás", su debut discográfico, historias de amor y pensamientos en voz alta tintados de honky tonk pero sin su desolación, humo, y alcohol, más bien mostrando el lado alegre de la cantina. Nelson Darío Pombal y Yulie Ruth son los productores de este álbum grabado en el "Estudio Los Pájaros" (Luján-Bs As) del cantante y actor Ramón "Palito" Ortega y en el "Home Studio" de Nelson en Bernal. En este disco participan figuras como Antonio Birabent, Pamela Rodríguez, Jeff Colson (E.E.U.U.), la violinista suiza Sophie Lûssy y el destacado pianista argentino Alejandro Piedis, entre otros ... Un elenco de lujo para un brillante debut.

Vane Ruth integra además, Las Ruedas del Sur, una de las bandas más representativas de western swing en Argentina liderada por Yulie Ruth. En 2009, junto a su banda recorrió el país con más de 60 shows en vivo.


ENTREVISTA

Andoni Urkiaga: ¿Qué es lo más fácil y lo más complicado de ser la primera cantante argentina que graba música country en español, original y propia?

Vane Ruth: Lo más fácil, es ser yo misma y hacer música a mi manera… no veo el lado complicado, mas bien tomo como un gran desafío promover la música country en español desde mi país…

A.U.: Cuéntanos, ¿cómo surgió la oportunidad de grabar tu primer disco "Pueblo Atrás"?.

V.R.: Luego de grabar un demo en 2008, (Auge de Mis Sueños) sentí la necesidad de poner en marcha mi carrera con 13 honestas canciones bajo el nombre de “Pueblo Atrás”.

A.U.: ¿Cómo fueron las sesiones de grabación?, ¿te sentiste cómoda grabándolo con los músicos, la producción, el estudio…?

V.R.: Grabar “Pueblo Atrás” fue de lo más placentero. Mi productor Nelson Pombal y Yulie, soltaron mis alas a volar. Me dieron todo su apoyo como así también los músicos que participaron . Haberlo hecho en el estudio de Palito Ortega es muy prestigioso para cualquier artista, me siento muy orgullosa y agradecida…



A.U.: Me llama la atención que la canción que abre el disco ‘Auge de Mis Sueños’ esté inspirada por la cantante noruega Heidi Hauge, una de tus cantantes favoritas. Cuéntanos más acerca de esta canción y de tu afición por la música de Heidi.

V.R.: Un álbum de Heidy Hauge fue lo primero que llegó a mis manos y me encantó su forma de expresar el country. Me identifiqué con su aire campestre y casi naif. Entonces, parafraseando con su apellido y mi sueño hecho realidad, quedó ‘Auge de Mis Sueños’.

A.U.: La música noruega country está altamente desarrollada y no sólo es porque los artistas norteamericanos la visiten habitualmente sino que hay floreciente mercado country autóctono. ¿Es un ejemplo de lo que podría ser argentina en unos años con artistas tocando su propia música en honky tonks o, por ejemplo, en un gran festival como el de San Pedro; así como artistas norteamericanos visitando vuestra tierra?

V.R.: Sin duda. Yulie es la gran figura de San Pedro Country Fest con el western swing que tanto lo caracteriza y yo me especializo en el honky tonk. Ambos creamos una fórmula para darle difusión al country en Argentina y tenemos el apoyo de muchos artistas americanos interesados en nuestro trabajo. Cosa que nos honra.

A.U.: Tus composiciones tienen calidad y chispa creativa… ¿cuál es la rutina de composición de un día normal en la vida de Vane Ruth?, ¿en qué o en quién te inspiras para componer tus canciones?

V.R.: Dejo que fluyan espontáneamente, no tengo un método en particular. Por lo general cuando una idea me da vueltas y no se va, seguramente pronto se convertirá en canción. Hablo de mi desarraigo, de mi infancia, de la vida, del comportamiento humano, siempre desde el amor y sin caer en lo cursi.

A.U.: ¿El ritmo country te sale de forma natural?... ¿qué prefieres baladas, canciones más rápidas…?

V.R.: Son como estados de ánimo... Hoy por ejemplo, ¡¡estoy para un buen honky tonk!!

A.U.: ‘Cómo Decírtelo’ es un tema especial para ti, cuéntanos por qué…

V.R.: Porque más allá de ser una canción de amor aborda una veta existencial. ‘Cómo Decírtelo’ es de esas que no se callan nada… Amo esa canción en su lírica y en su ritmo bien al estilo Johnny Lee.



A.U.: ¿Cómo surgió cantar ‘Qué me importa si el sol no está’, una versión de ‘I Don´t Care If The Sun Don´t Shine’ de Mack Davis?

V.R: ¡¡Es una gran obra de arte!! y cuando escuché la versión de Elizabeth McQueen -vocalista femenina de Asleep At The Wheel, no dudé un segundo en reversionarla, teniendo en cuenta que es una adaptación y no una traducción…



A.U.: ‘El Ojo del Huracán’ es una canción en un estilo rockin´ bastante potente ¿por qué elegiste esta canción para cantarla con Yulie, tu marido y no una balada?

V.R.: Con Yulie, atravesamos momentos muy difíciles hasta abrazar la felicidad. Superar esa etapa nos hizo más fuertes aún. Por eso quisimos contarlo juntos en “El Ojo del Huracán” y encima con la compañía de nuestra amiga y colega Pamela Rodríguez ¡que canta el rock como nadie! Ahora en la distancia veo que hicimos un trío muy acertado…

A.U.: La música country te unió a Yulie, pero tienes ingredientes para seguir tu propia carrera en solitario definitivamente. ¿Puede llegar a ocurrir?, ¿te lo has planteado?

V.R.: Claro, de hecho con “Pueblo Atrás” iniciaré mi gira 2010 como solista. Pero no dejaré de ser integrante de las Ruedas del Sur mientras Yulie lo considere.

A.U.: Voy a hacerte una pregunta con un poco de pimienta… ¿Cómo se toma Yulie que te estés haciendo una cantante country famosa?... ¿Hay celos artísticos?

V.R.: Para nada!! Yulie es mi maestro; me llamó Vane Ruth y desde ese momento es el artífice de cada paso en mi carrera…

A.U.: ¿Dónde está el límite de la carrera de Vane Ruth? ¿Querrías probar suerte en México, Estados Unidos…? ¿Llegarías a interpretar otras músicas fuera de la música country?

V.R.: Quiero hacer country toda la vida y mi objetivo es difundirlo primero en Argentina. Tal vez sea un largo camino, pero prefiero ser fiel a mis convicciones y alentar a nuevos artistas a que se sumen…

A.U.: ¿Has pensado en cantar en inglés?

V.R.: No… Tengo como prioridad llevar mi mensaje a las familias de habla hispana … Quiero balancear, además ya hay muchas bandas de covers en inglés… ¿Para qué más de lo mismo?

A.U.: ¿Cuáles son tus artistas favoritos country?

V.R.: Patsy Cline, Tanya Tucker, Loretta Lynn, Heidy Hauge, Johnny Lee, Asleep at the Wheel… Joni Harms, Heather Myles, Leona Williams, Lynn Anderson... ¡y la lista sigue!

A.U.: ¿Has pensado en grabar en Nashville como hace Rodrigo Haddad, por ejemplo, o prefieres seguir experimentando “en casa”, de momento?

V.R.: Sería una hermosa experiencia pero por ahora estoy muy a gusto aquí en casa.

A.U.: ¿Dónde te ves en 5 años?

V.R.: ¡En un motorhome saliendo de gira por el interior de mi país! (risas)
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The Old Rugged Cross

Un interesante recorrido por el country gospel más clásico

Por Antón García-Fernández, Memphis, Tennessee

El elemento religioso se ha venido infiltrando en la música country desde sus inicios en tiempos inmemoriales y ha sido siempre una parte importante del repertorio de las bandas de bluegrass en particular.

Pero la diversidad de estilos que agrupamos bajo la denominación común de country gospel tiene sus raíces en las comunidades de inmigrantes protestantes que se establecieron en Estados Unidos a lo largo de los siglos XVIII y XIX procedentes de las Islas Británicas y diversos puntos del Viejo Continente.

Para dichas comunidades la religión jugaba un papel primordial en el devenir de la vida cotidiana, y por tanto, fue dejando una notable impronta en sus manifestaciones artísticas y culturales. Entre ellas destaca, obviamente, la música, utilizada en las iglesias como medio para facilitar la memorización de oraciones y pasajes bíblicos a congregaciones que eran mayoritariamente iletradas.

Dichas composiciones, generalmente de gran sencillez musical y lírica, utilizaban muchas veces melodías de baladas populares y solían cantarse tanto en la iglesia como en el ámbito doméstico, donde convivían con otras manifestaciones musicales animando todo tipo de celebraciones.

Con la llegada de la llamada Era Comercial de la música country, a partir de los años 20, muchos cantantes deslizaban temas de contenido religioso en sus sesiones de grabación (así, varios de los históricos registros realizados en 1927 en Bristol, Tennessee, son canciones de este tipo), mientras que otros llegaban incluso a especializarse en esta clase de piezas.

Poco a poco, los himnos comenzaron a mezclarse con canciones de carácter claramente moralista en las cuales se advertía de los pecados que entrañaban el alcohol y la vida licenciosa. El propio Hank Williams era muy aficionado a este tipo de temas, que editaba normalmente bajo el pseudónimo de Luke the Drifter, pero también solían figurar en el repertorio de la Carter Family, Roy Acuff o Bill Monroe, por citar sólo a algunos.



Esto continuaría siendo así a través de los múltiples cambios experimentados por la música country con el paso de los años, y ni siquiera grandes nombres del 'Nashville Sound' como Jim Reeves, Patsy Cline o el gran Tennessee Ernie Ford dejaron de interpretar himnos religiosos en sus discos y conciertos.



Por consiguiente, al hablar de country gospel, no nos encontramos ante un género perfectamente definido, sino que si queremos describirlo y tratar de delimitarlo para su estudio, debemos atenernos más a su temática que a su manifestación musical. Esto se demuestra ampliamente en "The Old Rugged Cross", recopilación que, por ejemplo, agrupa en un mismo disco las armonías vocales western de los Sons of the Pioneers, el bluegrass de Reno & Smiley, y los sonidos old-time de Cliff Carlisle.

Son éstos algunos de los nombres más conocidos, pero el disco guarda en su interior sorpresas para los coleccionistas como el 'You Can't Do Wrong (And Get By)' de Rusty Gabbard (miembro aventajado de los Cherokee Cowboys de Ray Price; una magnífica versión de 'Thy Burdens Are Greater Than Mine' a cargo de Redd Stewart (vocalista de los Golden West Cowboys de Pee Wee King); 'The Wrath Of God' de los Delmore Brothers y grabaciones de artistas un tanto más oscuros, como Pappy Beaver, Boyd Cameron, Andy Wilson o los McCravy Brothers.



Todas ellas, unidas por el nexo común de su temática religiosa. Las notas de Paul Hazell se quedan un tanto cortas, pues nos habría gustado que se incluyera información detallada sobre cada artista, como en otras ocasiones ocurre en las recopilaciones de Jasmine, mas sirven como somera introducción a los orígenes y desarrollo del country gospel.

Various Artists - The Old Rugged Cross - Country Gospel

01. Sons of the Pioneers - The Old Rugged Cross
02. Pappy 'Gube' Beaver - Great Judgement Day
03. Don Reno, Red Smiley & The Tennessee Cutups - Kneel Down
04. Andy Wilson - Great Speckle Bird
05. Masters Family - This Old World Is Rocking In Sin
06. Jimmy Swan & The Tall Men - Little Church
07. George Morgan & The Anita Kerr Singers - Oh Gentle Shepherd
08. Sons Of The Pioneers - Power In The Blood
09. Carl Story & His Rambling Mountaineers - When He Reached Down His Hand For Me
10. Smith Brothers And Bill Lowery With The Gospel Singers - I Have But One Goal
11. Redd Stewart & His Kentucky Colonels - Thy Burdens Are Greater Than Mine
12. Boyd Cameron - Bright Chain Of Gold
13. Sons Of The Pioneers - Lie Low Little Doggies
14. Paul & Bob - Thirty Pieces Of Silver
15. Rocky Porter - The All-Seeing Eye
16. Kenny Roberts & Tommy Sosebee - It’s Great To Be A Christian
17. Masters Famiy - You Gotta Pray
18. Mac O’Dell - That Final Day
19. Sons Of The Pioneers - What This Country Needs (Is A Good Old Fashioned Talk With The Lord)
20. Rusty Gabbad - You Can’t Do Wrong (And Get By)
21. McCravy Brothers - When They Ring The Golden Bells
22. Esco Hankins - Waiting For My Call To Glory
23. Arkansas Woodchopper - The Last Great Roundup
24. Sons Of The Pioneers - Read The Bible Every Day
25. Delmore Bros (Alton & Rabon) - The Wrath Of God
26. Cliff Carlisle - The Devil’s Train
27. Kenny Roberts - Wide Is The Gate
28. Sons Of The Pioneers - The Bar-None Ranch
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Los "Renegados" del Country

"Crazy Heart" evoca el movimiento outlaw

Fotografía: Jim McGuire

“Piensa en los Highwaymen, el supergrupo country que crearon Johnny Cash, Willie Nelson, Waylon Jennings y Kris Kristofferson. Si Bad Blake hubiese sido un personaje real, sin duda habría sido el quinto miembro.”

Introducción


Por Andoni Urkiaga

Cuando Thomas Cobb, el autor de "Crazy Heart" escribió esta novela en 1987, de la que vendió 11.000 ejemplares, poco podía imaginar que 23 años más tarde su obra de juventud cobraría protagonismo a nivel mundial.

Sin duda, una de las claves de la película "Crazy Heart", de la que nos habla Javier Márquez en el artículo que hoy nos acompaña, es la libre interpretación de la obra de Cobb. De hecho, Cobb no fue consultado creativamente en ningún momento y conoció al director y a los actores en la premiere de Los Ángeles el pasado mes de diciembre.

No obstante, a quien si conocía Cobb era a T-Bone Burnett, el productor musical de la película. Se conocieron en Tucson, en 1983 cuando Thomas Cobb escribía en una revista country de esa ciudad. El entonces periodista le entrevistó con motivo de la promoción de su disco "Proof Through The Night". Precisamente escribiendo para esa revista vió un concierto de Hank Thompson, una super estrella honky tonk de los 50 y 60, de telonero de Conway Twitty. Esta posición de subordinación de Thompson a Twitty le impactó a Cobb: "Yo estaba horrorizado, Hank fue mucho más de lo que Conway era".





Este historia de los altibajos de las carreras de muchos artistas y, en concreto, la figura de Hank Thompson le inspiró la novela que escribió como tesis en la Universidad de Houston. Pero no fue hasta más tarde que Cobb se dió cuenta que otro personaje se había encarnado en Bad Blake: "No me dí cuenta en ese momento, pero hay mucho de Donald Barthelme en Bad Blake. Era mi director de tesis y tocábamos juntos en una banda en Houston. Debo mucho de mi carrera a Donald Barthelme".

Donald Barthelme, escritor postmodernista minimalista, bebedor y empedernido aficionado a la música country murió en 1989. "Siempre me pedía que le dijera lo maravilloso que era Bad Blake".

El inminente estreno de la película Crazy Heart, el 5 de marzo, titulada en España “Corazón Rebelde”, pone de actualidad al movimiento country “outlaw”, representado mejor que nadie por Waylon Jennings, Kris Kristofferson, Willie Nelson e, incluso, Johnny Cash, a los que nos aproxima en este exhaustivo y brillante informe de Javier Márquez.

Javier Márquez es Subdirector de la revista de actualidad Cambio 16, además es escritor de varios libros biográficos como los de Neil Young, Bruce Springsteen, Elvis Presley, etc., aunque destaca su famosa biografía del 'Rat Pack'. El año pasado publicó su brillante novela de debut: "La Fiesta de Orfeo". Javier fue Director Ejecutivo de la CMA-Spain, la Asociación de Música Country de España. Ni que decir tiene, que nos complace sumamente reproducir este artículo suyo publicado en EFE EME esta semana.


Los 'renegados' del country

Por Javier Márquez Sánchez

Durante la pasada gala de los Globos de Oro hubo pocas sorpresas, pero una de ellas fue especialmente placentera. Jeff Bridges, un buen actor al que no se le acaba de reconocer su talento para el drama, subía a recoger el galardón a mejor actor dramático por su papel en la película “Crazy Heart”, cinta que también se llevó el premio a mejor canción por ‘The Weary Kind’, escrita por Ryan Bingham y T-Bone Burnett (nominada ya al Oscar como Mejor Canción Original).

Aunque en principio se especuló con la posibilidad de que esta película se quedase en la televisión por cable, dado el modesto presupuesto con el que se había planteado y el “limitado interés” que algunos observaban, el viernes 5 de marzo estará en las carteleras españolas.

Y es que las críticas están siendo demasiado buenas, la mayoría centradas en aplaudir el excelente trabajo de Jeff Bridges, que ya se perfila como un firme candidato al Oscar. El actor interpreta a Bad Blake, otrora estrella de la música country, que ha cambiado la guitarra y las multitudes por el alcohol y varios divorcios. Parece que nada le importa ya, mucho menos su carrera musical, y le basta con poder sobrevivir tocando en pequeños garitos de carretera y aliviando su soledad con mujeres de una noche. Pero entonces dos almas jóvenes se cruzaran en su camino, una reportera interesada por entrevistar a la estrella caída y un cantante en ciernes que quiere que componga un tema para él. Con ellos, Blake comienza a encontrar de nuevo sentido a su vida a través de la música.

Una historia sencilla y nada original, dirigida por un novato, Scott Cooper, y basada en la novela de un desconocido, Thomas Cobb. Sin embargo, parece que no solo hay corazón en el título. Bridges está acompañado por un elenco más que correcto, con Maggie Gyllenhaal en el papel de la periodista (nominada al Oscar como Mejor Actriz Secundaria), Colin Farrell como ese artista que comienza y el veterano Robert Duvall (que ya interpretara a un cantante country acabado en la magnífica “Gracias y Favores”, de 1982) como un viejo colega.

Lo más interesante de esa alabada interpretación de Bridges es que parece tomar como fuente de inspiración a toda una generación de artistas country, los renegados, los grandes protagonistas del movimiento outlaw.

Kris Kristofferson como inspiración

Parece ser que cuando empezaron a trabajar en el proyecto y Bridges le pidió al director que le definiera al personaje, Scott Cooper le dijo: “Piensa en los Highwaymen, el supergrupo country que crearon Johnny Cash, Willie Nelson, Waylon Jennings y Kris Kristofferson. Si Bad Blake hubiese sido un personaje real, sin duda habría sido el quinto miembro”. Bridges se lo tomó tan al pie de la letra que en su encarnación es posible rastrear numerosas influencias de aquéllos, como cuando luce en algunas secuencias camisa blanca, chaleco y sombrero oscuros, claramente inspirado en Waylon Jennings, de quien toma también en muchos momentos su forma de actuar en el escenario.

Sin embargo, tomada en conjunto la película, salta a la vista que su Bad Blake no es sino un álter ego de Kris Kristofferson (con quien comparte amistad desde que ambos coincidieran a las órdenes de Michael Cimino en ese valiente clásico a reivindicar que es “La Puerta del Cielo”).

El parecido entre personaje y cantante real no se queda sólo en la apariencia física o en el estilo musical e interpretativo, sino también en la propia historia, con los problemas con el alcohol, los matrimonios fallidos, las crisis de autoestima y los buenos amigos que acuden al rescate. Al parecer, tras ver “Crazy Heart” en un pase privado, Kristofferson aseguró haberse emocionado varias veces: “Es mi vida lo que estaba viendo en la pantalla”, le reconoció a Bridges.



La banda sonora

Al estreno de la película, titulada en España “Corazón Rebelde”, se suma el lanzamiento de la banda sonora bajo el sello New West.

El disco, bastante más amplio y recomendable en su edición especial, incluye varios cortes interpretados por Jeff Bridges junto a piezas a cargo de Ryan Bingham (que interpreta el tema premiado en los Globo "The Weary Kind"), George Jones, Lucinda Williams, Waylon Jennings, Townes Van Zandt, Stephen Bruton, Lightnin’ Hopkins… e incluso Robert Duvall, balbuceando la emocionante ‘Live Forever’ de Billy Joe Shaver.



“El ‘outlaw’ ha sido uno de los movimientos más interesantes de la historia de la música country. Tiene sus raíces en los años setenta, cuando toda una nueva hornada de artistas y algún veterano reaccionaron contra la encorsetada y corrupta evolución que estaba protagonizando ese género musical”


Los 'fuera de la ley' de la música country

El “outlaw” (literalmente “fuera de la ley”; rebelde, renegado, proscrito) ha sido uno de los movimientos más interesantes de la historia de la música country. Tiene sus raíces en los años setenta, cuando toda una nueva hornada de artistas y algún veterano reaccionaron contra la encorsetada y corrupta evolución que estaba protagonizando ese género musical.



La década de los cincuenta había supuesto una importante popularización de la música country de la mano del rockabilly, ese country ágil, salvaje y juvenil, desarrollado por artistas como Johnny Cash, Marty Robbins, George Jones, Carl Perkins o el propio Elvis Presley. Con los sesenta, sin embargo, el panorama cambió. Los grandes sellos contrataron a esas figuras prometedoras y se propusieron “domar” su talento poniendo al frente de cada disco a productores de prestigio, como Chet Atkins, Owen Bradley o Billy Sherrill, encargados de controlar cada aspecto creativo del proyecto, desde la selección de los músicos a la del repertorio. El artista sólo debía aportar su voz y su imagen, convenientemente refinada.



De este modo, el country fue suavizándose, y la instrumentación tosca y simple fue sustituida por orquestas con cuerdas y vientos. Las armonías vocales tradicionales o las voces puras se transformaron en coros ampulosos y arreglos detallistas, e incluso el atuendo o el acento característico de cada intérprete se cuidó y se adecuó para el fin perseguido por las multinacionales: sacar la música country de la Norteamérica rural y hacerla triunfar en las grandes ciudades. A esta nueva estética country, pulida e impecable, que ya venía desarrollándose desde los cincuenta, se la conocía como “Sonido Nashville”, cuyo desarrollo extremo conduciría, ya en los setenta, a la aparición del country-pop o el countrypolitan, con figuras como Kenny Rogers, John Denver o Olivia Newton-John.



Es en ese contexto en el que hay observar la postura adoptada por una serie de cantantes (normalmente también autores) que van convertirse en molestos inquilinos de algunas discográficas. Ya en los sesenta, gente como Merle Haggard, Johnny Cash, Waylon Jennings o Johnny Paycheck fueron los primeros en no ahorrar quejas ni protestas para intentar conseguir mayor independencia a la hora de trabajar en sus discos. Ellos reaccionaron contra el “Sonido Nashville” con el “Sonido Bakersfield”, desarrollado en los bares honky tonk de esa localidad californiana.

Por su parte, las multinacionales no tenían la menor intención de dar su brazo a torcer, pues con la llegada de los setenta las cifras arrojaban una realidad incuestionable: los discos de country eran más populares que nunca, y eso debía ser gracias a las nuevas reglas impuestas. Pero precisamente en ese cambio de década, de los sesenta a los setenta, las modas y los gustos cambiaron radicalmente. La guerra de Vietnam, el fin del sueño hippie, los conflictos en las ciudades y la corrupción política hizo de aquella juventud americana una generación descreída y desilusionada, necesitada de una música auténtica y sin aditivos, con cuyo mensaje y postura pudieran identificarse.

Menos violines y más corazón

Para esa generación comenzaron a presentar sus temas gente como el citado Waylon Jennings y su mujer, Jessi Colter, Willie Nelson, Kris Kristofferson, Jerry Jeff Walker, Billy Joe Shaver o David Allan Coe. Las suyas eran unas canciones de marcado carácter social, que hablaban de la realidad de los setenta, ya fuese a nivel ideológico o sentimental. Eran, además, canciones que apostaban por recuperar el sonido y la estructura del country más tradicional, con una instrumentación más cercana en ocasiones al rock que a lo que se cocía en Nashville, adoptando al desaparecido Hank Williams como líder espiritual y principal inspiración.





Por otro lado, se trataba de unos artistas country que tenían poco que ver con sus predecesores en lo que a estilo de vida, de moda o incluso ideales poíticos se refería. La nueva generación estaba más próxima a los grandes del rock de los setenta que a las leyendas del country de la década anterior. Melenas, ropa hippie, alcohol, pastillas y guitarras eléctricas eran las señas de identidad del cantante country de la nueva corriente.

La apuesta estaba clara, y ante el empuje inevitable, las compañías comenzaron a ceder. Tal vez podría señalarse el debut de Kris Kristofferson, 'Kristofferson' (1970), como el primer álbum puro de la corriente outlaw, al que seguirían en 1973 los discos de Waylon Jennings “Lonesome, On’ry and Mean” y “Honky Tonk Heroes”, en los que este artista planteaba definitivamente un sonido más salvaje y crudo.

Aunque todos pusieron algo de su parte, es a Jennings a quien hay que reconocerle los mayores esfuerzos para que sus colegas de generación lograsen firmar los álbumes tal y como ellos deseaban. Cuentan que, ante la imposibilidad de hacer entrar en razón a los directivos de Nashville, Jennings cogió un avión y se presentó en Nueva York para sentarse cara a cara con los dueños de su multinacional, la RCA. Les expuso las razones por las que debían confiar en los nuevos talentos y darles libertad para escoger sus propios temas, para grabar con sus propios músicos. Solo así conseguirían dar cuerpo al tipo de discos que reclamaba el nuevo público. Y acertó de pleno.

Durante toda la década de los setenta, el movimiento outlaw vivió su edad de oro, alcanzando su momento más representativo con el lanzamiento, en 1976, de un disco que reunía a cuatro de sus grandes representantes: Willie Nelson, Tompall Glaser, Jessi Colter y Waylon Jennings. Su título, “Wanted! The Outlaws”, acabó dando nombre a la nueva corriente country.

El álbum incluía temas en solitario de cada uno de los participantes así como algunos duetos, y entre las canciones seleccionadas cabe destacar ‘My Heroes Have Always Been Cowboys’, ‘Honky Tonk Heroes’, ‘Suspicious Minds’ o ‘Good Hearted Woman’, convertidos hoy en auténticos clásicos.



Aquel fue el primer trabajo de la historia de la música country en convertirse en disco de platino, lo que concedió carta blanca para que los protagonistas de la corriente outlaw desarrollasen a sus anchas su inquietudes artísticas (caso de Willie Nelson, que apostó por efectivas combinaciones de country, jazz y blues).




“Cash era el más veterano del movimiento outlaw, y como tal había vivido diversas etapas de la música country en las décadas anteriores. Fue una clara inspiración para esos nuevos artistas de los setenta con quienes se acabaría identificando”




Cuatro proscritos en la MTV


En esta nueva corriente, cuatro artistas destacaron sobre el resto, cada uno por méritos propios, lo que conllevó que acabaran siendo reconocidos comos los cuatro grandes del movimiento outlaw.

Jennings y Nelson fueron dos de ellos, formando un tándem tan efectivo que les llevó a grabar cuatro discos juntos entre 1978 y 1991. Ambos combinaban en sus trabajos composiciones propias con piezas de colegas como Shaver o Kristofferson, apostando por un sonido honky tonk que aunaba ritmos clásicos con instrumentación eléctrica.

Por su parte, Kris Kristofferson representó en los setenta el más claro triunfo del cantante-compositor sobre el productor estrella de los años sesenta. Sus canciones eran grabadas por los más diversos artistas, muchos de ellos más allá de las fronteras del country, como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Janis Joplin o Elvis Presley. En sus discos, el protagonista absoluto era el artista en su papel de autor, más incluso que como intérprete, lo que entroncaba directamente con los días grandes de Hank Williams, cuando el vocalista country tenía algo que contar más allá de una historia al servicio de su voz.

Y a falta de Williams, fallecido en 1953, Johnny Cash se perfiló como su mejor heredero espiritual, y líder por tanto de este grupo extraoficial. Cash era el más veterano del movimiento outlaw, y como tal había vivido diversas etapas de la música country en las décadas anteriores.



Sus problemas con las drogas y la ley, sus legendarios conciertos en las prisiones de San Quintín o Folsom así como el apoyo prestado en su programa televisivo a jóvenes talentos ajenos a la escena country, como Bob Dylan o Neil Diamond, fueron una clara inspiración para esos nuevos artistas de los setenta con quienes se acabaría identificando.

El carácter de abanderados del movimiento outlaw de estos cuatro ‘renegados’ llegó a su culmen en 1985 cuando, ante la decadencia del género y de sus propias carreras, decidieron aunar esfuerzos en un álbum conjunto, “Highwayman”.

Producido por Chips Moman (la química entre los cuatro resultó tan evidente que incluso hicieron sus pinitos interpretativos con varios westerns para televisión). En 1990 lanzaron un segundo trabajo, “Highwayman 2″, aún firmado como “Jennings -Nelson – Cash – Kristofferson”, y no sería hasta la gira que iniciaron ese año cuando aquel supergrupo de la música country fue bautizado como The Highwaymen. Ya con ese nombre lanzaron en 1995 su tercera y última colaboración, “The Road Goes On Forever”.

Una formación similar, con Billy Joe Shaver en lugar de Johnny Cash, coincidía por casualidad en un estudio de grabación poco después, resultando un delicioso álbum publicado en el año 2000 con el título “Honky Tonk Heroes”; el canto de cisne del movimiento outlaw original (aunque en la década siguiente aún se darían nuevas colaboraciones para discos –Nelson, Haggard y Ray Price– y directos –Kristofferson y Haggard).



Jennings falleció en el año 2002, y Cash le siguió al año siguiente, junto a Johnny Paycheck. Nelson, Kristofferson, Shaver, Haggard o David Allan Coe siguen al pie del cañón, seguidos por artistas de generaciones posteriores que siguen cultivando la esencia del movimiento outlaw, como Robert Earl Keen Jr., Hank Williams III, Cory Morrow, Roger Creager, Jimmy Aldridge, Kevin Fowler, Wade Bowen o el propio Shooter Jennings, hijo de Waylon.


Acompañamos este fantástico artículo de Javier Márquez con un video de uno de los conciertos de los Highwaymen. ¡A disfrutar!

The Highwaymen Live, Nassau Coliseum (1990)

Parte 01
Parte 02
Parte 03
Parte 04
Parte 05
Parte 06
Parte 07
Parte 08
Parte 09
Parte 10
Parte 11
Parte 12


Fuentes:

New York Times
Allmusic
Wikipedia
AMCU Uruguay
Outlaw Magazine
Roughstock
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Heather Myles: "In The Wind"

Excelente último trabajo de la auténtica reina del country

Dice un antiguo refrán español, "unos cardan la lana y otros se llevan la fama" y, en el caso de Heather Myles, nos encontramos que bien se le podría aplicar. La artista con uno de los mayores talentos de la música country actual pasa desapercibida para las grandes audiencias, mientras las princesas 'poppy' tipo Swift y Underwood, ocupan portadas, popularidad y minutos en 'prime time'.

Y, sin embargo, nos encontramos con que el último trabajo de Heather Myles es un DISCAZO que vuelve a ponerla de plena actualidad. Posiblemente sea su trabajo más completo y de mayor calidad desde aquel mítico "Highways and Honky Tonks" (1998), una obra imprescindible en la colección de cualquier aficionado a la música country, que contenía temas mágicos como 'Love Me a Little Bit Longer':



Su nuevo trabajo, "In the Wind", cuenta con todos los ingredientes para gustar a la mayoría de los fans country: honky tonk, Bakersfield, country-blues, brotes de americana y pop, sabor hispano, temas 'stomp' para bailar, versiones de clásicos y un invitado muy especial, Willie Nelson, omnipresente en toda movida country que se precie. Y esta es de las buenas. Todo aderezado por la fantástica, potente y personal voz de Heather Myles que se manifiesta en toda su magnificencia, que ha sido comparada con la Tammy Wynette y con Patsy Cline.

La artista de Riverside, California, compone 9 de los temas del disco, impecables composiciones todas ellas y tres versiones de clásicos como 'Vaya con Dios', que Les Paul y Mary Ford llevaron al número uno en listas de pop en 1953 y que interpretaron artistas como Hank Snow o Gene Autry. 'Walk On By' un fantástico número uno twangy en listas de country de Leroy Van Dyke en 1961 y que, curiosamente, también llegó al 5 en listas de pop. Y, finalmente, Heather versionea 'Right or Wrong' que hiciera famosa Wanda Jackson. Todas ellas versiones muy personales que realzan su valor y actualizan su mensaje.

Heather Myles creció en un rancho californiano criando caballos, hasta que cambió las cuadras por los honky tonks, abriendo shows para gente como Waylon Jennings, Ricky Skaggs y Merle Haggard. Y todos salimos ganando, porque los honky tonks no serían lo mismo sin su hermosa música, que filtra sus esencias country por sus poros, ecos de George Jones, de Buck Owens, de Loretta Lynn...

Más popular, comparativamente, en Europa que es Estados Unidos, durante la última década se ha labrado una sólida carrera que hoy le lleva a editar este disco expresión de su madurez como artista, de sus experiencias, de sus raíces y de su gran talento como compositora y cantante.

El disco se abre con un tema country al estilo clásico 'When Did You Stop Loving Me?' (¿Cuándo me dejastes de amar?) un tema para bailar a medio tiempo como two step, que nos habla de corazones rotos, desaires y despechos. Y seguimos con problemas amorosos en 'Shoulder To Cry' (Un hombro en el que llorar)... llora la steel guitar, cruje el fiddle, así es la música country, sentimiento y autenticidad.

(Foto: Andoni Urkiaga)

Los temas más dinámicos comienzan con 'Broke And Broken Hearted' que también nos remite a tristezas amorosas y a "lovesick blues" rememorando el tema de Hank Williams, pero con un añadido, el de estar sin plata. La crisis también llega al country.

Uno de los mejores temas del álbum es 'Don´t Call Me', la colaboración con el incombustible y sempiterno Willie Nelson, ¿de dónde saca la energía para estar en todas las salsas?. Un marcado ritmo estilo Bakersfield junto con el acordeón de Skip Edwards nos lleva por los caminos hispanos marcados en aquella 'Streets of Bakersfield' recreada por Dwight Yoakam y Buck Owens. La excepcional interpretación de Heather y Willie convierten a esta canción en una gema.

'Pretty Poison' es una gran canción que retrata el eclecticismo country de Heather Myles, que bebe del americana, del blues o de la música hispana desde su prisma country, pero a la que erróneamente se tacha de tradicionalista. El problema es que, para algunos, todo lo que suena a country, es tradicional.

Otro tema con tintes americana y reminiscencias al country hippismo de los 70 de gente como John Denver o Michael Martin Murphey ('Wildfire'), es el que da título a este trabajo "In The Wind", una road song que nos lleva espacios abiertos y rutas americanas originales, en una agradable combinación de mandolina y piano.

Heather Myles durante su legendario concierto en el no menos mítico
honky tonk Jambalaya de El Masnou, Barcelona. 12-01-2003.
(Foto: Andoni Urkiaga)

El coproductor Taras Prodaniuk, que también toca el bajo ha colaborado para gente como Dwight o Lucinda Williams, así como Larry Mitchell y Jim Christie en la batería.

También hay tiempo para los relatos íntimos como 'Mama´s A Star' (Mamá es una estrella) con predominio del dobro, un instrumento que es muy de mi gusto.

El tema line dancing por excelencia es 'Smokin´, Drinkin´, Dancin´Again'. No creo que deje un sólo pie quieto al escucharlo. Y el country blues, 'My Baby´s Good To Me' cierra con broche de oro un álbum redondo.

En definitiva, un álbum que nos devuelve a una Heather Myles en un momento dulce de su carrera, donde se une la madurez con la frescura de su talento, su sintonía con las raíces y su conexión con la modernidad. Tenemos reina para rato. Demos gracias a Hank y a Buck.

Heather Myles:"In The Wind"

01. When Did You Stop Loving Me
02. Broke And Broken Hearted
03. Shoulder To Cry On
04. Don't Call Me (Dúo con Willie Nelson)
05. Pretty Prison
06. Mama's A Star
07. Smokin', Drinkin', Dancin' Again
08. Vaya Con Dios
09. In The Wind
10. Walk On By
11. Right Or Wrong
12. My Baby's Good To Me
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"Johnny Cash at Folsom Prison" (1968)

Un concierto legendario


Introducción

Por Andoni Urkiaga

Johnny Cash es una de las mayores leyendas de la música americana. Pero ¿cómo se forjó esta leyenda?. Hannelore Haakman Van Den Bergh, Hanny, una de las mayores especialistas hispanas en Johnny Cash, nos desvela en este excepcional artículo uno de los momentos clave de la historia de Cash: la grabación de su álbum "Folsom Prison Blues".

La prisión estatal de Folsom es una prisión en la ciudad de Folsom, California, a 32 kilómetros de Sacramento y es, tras San Quentin, una de las mayores prisiones del "golden state". Era muy conocida por sus durísimas condiciones carcelarias y, entre 1895 y 1937, fueron ahorcados un total de 93 presos.

Es poco conocido, tal y como nos revela Hanny, que Johnny Cash actuó varias veces en Folsom Prison, la primera en 1966 y la más especial, la que hoy nos ocupa, en 1968, con dos grabaciones realizadas en la cafetería de la prisión. Según Johnny Cash, "fue la audiencia más entusiasta para la que he tocado jamás" .

A finales de los años 60, había 1800 presos en Folsom, cada prisionero de Folsom tenía su propia celda y estaba inscrito en un programa de educación. Rara vez un preso volvía a prisión. En 2009, había 4.427 presos, las bandas organizadas eran los protagonistas de la cárcel y la mayoría de los presos son reincidentes. Johnny Cash fue una influencia positiva en la política penitenciaria americana señalando la dirección correcta y, desgraciadamente, hoy su inspiración y lucha no parece que se tienen demasiado en cuenta.

Afortunadamente nos queda el tesoro musical de ese concierto legendario. Es hora de disfrutarlo y descubrir mucho más de él.



Johnny Cash: At Folsom Prisom (1968)

Por Hannelore Haakman Van Den Bergh

No creo descubrir nada nuevo al decir que este álbum está considerado como uno de los mejores álbumes en directo de la música ligera.

La base para este álbum se crea a miles de kilómetros de los estudios Sun (donde fue grabado el single) cuando John R. Cash llega a Landsberg, Bavaria, Alemania, a la base de las Fuerzas Aéreas de los EEUU en esta ciudad. Atrás en Dyess, Arkansas, quedan su familia, los campos de algodón y en, San Antonio, Texas, la que sería su mujer y madre de sus 4 hijas, Vivian Liberto.

El interceptor y descodificador radiofónico que llegó a la base de Landsberg traía como bagaje su amor por la música country y góspel, sus firmes creencias religiosas, el hábito de trabajar duro y su determinación que algún día la voz que se escuchaba en la radio sería la suya. Con algunos compañeros de la base había formado un grupo, The Landsberg Barbarians (un juego de palabras a partir de Bavaria) y también había empezado a escribir canciones. viendo a su 'Hey Porter' publicada en la revista del ejército “Stars and Stripes”.



Es en Landsberg donde empezó a escribir 'Don’t Take Your Guns To Town' cuyo protagonista, Billy Joe, debe su nombre a uno de los Barbarians, Bill Joe Carnahan y otro Barbarian, su compañero de camarote, Ben Perea, recuerda que casi inmediatamente después de haber visto la película “Inside the Walls Of Folsom Prison” Cash empieza a escribir 'Folsom Prison Blues'.



La película de Crane Wilbur de 1951 era de serie B con pretensión de documental y contenía escenas de máxima crueldad y violencia que tuvieron un gran impacto en Cash. Había crecido en un ambiente de pobreza, pero donde reinaba respeto y solidaridad con los que eran aún menos afortunados que los Cash y no creo que hubiera presenciado más violencia que la que podía haber en el patio del colegio si es que hubo.

La parte creativa e imaginativa del artista que llevaba dentro trataba de hacerse una idea de lo que sentiría si estuviera en un lugar como Folsom. En aquellas fechas se escuchaba un disco de Gordon Jenkins con la canción, 'Crescent City Blues' y la letra de 'Folsom Prison Blues' tiene mucho prestado de esta canción mientras que la línea "I shot a man in Reno, just to watch him die" (le disparé a un hombre en Reno sólo para verle morir) probablemente fue inspirado por el 'T For Texas' ('Blue Yodel nº1') de Jimmy Rodgers que contiene la frase “I’m gonna shoot poor Thelma, just to see her jump and fall” (voy a disparar a la pobre Thelma, sólo para verla saltar y caer)

Aunque también es cierto que Cash, en entrevistas, dijo haber llegado a esta frase después de preguntarse qué podría ser el peor motivo para matar a alguien y nació la famosa frase que acentúa al mismo tiempo algunas inexactitudes de la canción: por matar a un hombre en Nevada no te mandaban a Folsom que está en California. Asimismo, ningún tren con dirección a San Antone (Texas) pasaba cerca de Folsom.

Letras de FOLSOM PRISON BLUES
(Johnny Cash)

INGLÉS

I hear the train a comin'
it's rolling round the bend
and I ain't seen the sunshine since I don't know when,
I'm stuck in Folsom prison, and time keeps draggin' on
but that train keeps a rollin' on down to San Antone..
When I was just a baby my mama told me. Son,
always be a good boy, don't ever play with guns.
But I shot a man in Reno just to watch him die
now every time I hear that whistle I hang my head and cry..

I bet there's rich folks eating in a fancy dining car, they're probably drinkin' coffee and smoking big cigars.
Well I know I had it coming, I know I can't be free
but those people keep a movin'
and that's what tortures me...

Well if they'd free me from this prison,
if that railroad train was mine
I bet I'd move just a little further down the line
far from Folsom prison, that's where I want to stay
and I'd let that lonesome whistle blow my blues away.....


ESPAÑOL

Oigo el tren viniendo
está doblando en la curva
y no he visto el brillo del sol desde no sé cuando,
estoy pegado a la prisión de Folson, y el tiempo sigue prolongándose
pero ese tren sigue rodando abajo hacia San Antone ...

Cuando yo era solo un bebé mi mamá me dijo: 'Hijo siempre sé un buen chico, nunca juegues con armas'.
Pero le disparé a un hombre en Reno solo para verle morir.
Ahora, cada vez que escucho ese silbido agacho la cabeza y lloro.

Apuesto a que hay gente rica comiendo en un vagón restaurante de lujo
ellos están probablemente bebiendo café y fumando grandes cigarros
Bueno yo sé que tenia que venir, sé que no puedo ser libre
pero esa gente sigue moviéndose
y eso es lo que me tortura ...

Bueno, si ellos me liberaran de esta prisión
si ese tren de ferrocarril fuera mío
Apuesto a que movería solo un poco más abajo la linea
lejos de la prisión de Folson, ahi es donde quiero estar
y dejaría a aquel silbido solitario llevarse mi blues ...


'Folsom Prison Blues' (1956):


'Crescent City Blues', canta la mujer de Jenkins:


'T For Texas', Jimmie Rodgers:


Es hora de hacer un salto hacia delante. Estamos en Memphis, año 1956, y 'Folsom Prison Blues', grabado en Julio de 1955 en los estudios Sun y publicado en Diciembre, entra en las listas de “Hot C&W Sides de Billboard", listas que a partir de 1962 se llamarían “Hot Country Singles”, donde ocuparía el 4º puesto. La cara “B” del single era 'So Doggone Lonesome':



En 1957 un Johnny Cash ya casado, con grupo musical, The Tennessee Two (Sam Phillips había convertido John R. Cash en “Johnny Cash” que en su opinión sonaba más amable y sería más comercial) ya había grabado para el sello Sun y recibió una petición para actuar en la prisión de Huntsville, Texas. Por lo general, artistas que ya habían conseguido éxitos “Top Ten” ni consideraban actuar en una prisión, pero Johnny Cash seguía sus propias reglas.

El concierto se celebraba en el exterior y poco antes del comienzo cayó una lluvia torrencial. The Tennessee Two ya habían colocado sus instrumentos y Luther Perkins sufrió una pequeña descarga al tocar las cuerdas de su guitarra, después de lo cual, todos, autoridades penitenciarias y músicos, se pusieron a trabajar para adecuar el espacio para instrumentos, amplificadores y músicos y finalmente pudieron empezar a tocar. Marshall Grant no recuerda cuánto tiempo estuvieron tocando bajo la lluvia mientras que los prisioneros pidieron una y otra vez 'Folsom Prison Blues'.

A través del concierto de Huntsville, Cash había iniciado una sólida relación con San Quentin State Prison en California que condujo a un concierto el día de Año Nuevo de 1959. Aquel día tenía entre su público a un joven que se sintió muy influenciado por Cash, por su música, por lo que transmitía y por cómo conectaba con la audiencia. Fue el inicio de una una amistad duradera y nueva vida para lo que sería y otra leyenda del country: Merle Haggard.



A partir de Huntsville, los conciertos en prisiones eran una constante para el grupo. Los inquilinos de las prisiones querían a Johnny Cash, (quien, dicho sea de paso, rechazaba cobrar por estas actuaciones) apreciaban su forma de ser y percibían que él ni los juzgaba ni rechazaba, sino que los aceptaba como seres humanos a los que la vida en ocasiones había llevado a tomar decisiones equivocadas. Era un público entregado que intuía lo que el cantante opinaba sobre el sistema penitenciario de la época, al tiempo que en su mente empezó a formarse la idea de grabar un álbum en directo en una prisión. La propuso en 1962 a Columbia y el sello rechazó la idea.

En 1966 ofreció el primer concierto (de un total de 4) en Folsom a petición de un asesino convicto, Earl Green, quien aprovechó una visita del reverendo Floyd Gresset, pastor de una iglesia que Cash visitaba en ocasiones, insinuando la posibilidad de que Cash actuara en Folsom Prison. Cash aceptó y preguntó después del show al director de eventos, “Coach” Kelly su opinión sobre la posibilidad de hacer otro show y grabarlo todo en directo. La respuesta llegó rápido: “Cuando Quieras”.

Cash, Bob Johnston (productor de CBS de Bob Dylan y de Cash entre otros) y el Departamento de California de Correccionales pusieron manos a la obra y fijaron como fecha sábado 13 de enero de 1968. CBS Columbia seguía estando en contra e, incluso, amenazó a Johnston con un posible despido: “Arruinarás tu carrera y nunca más volverás a trabajar para CBS” a lo que Johnston contestó: “Bueno, tu mandas.”

Lo cierto es que Johnny Cash necesitaba algo nuevo. No había tenido un éxito desde que en 1964 'Understand Your Man' llegara al primer puesto. Era una canción escrita en un ataque de rabia porque su mujer, Vivian, para la que había escrito también 'I Walk The Line', se negaba a concederle el divorcio, después de apenas 14 años de matrimonio, y mientras Cash y June Carter ya habían iniciado su romance.





El cantante necesitaba urgentemente algo parecido a un "come-back", lo que no era fácil para Columbia, pues en aquella época promocionar a Johnny Cash era tarea delicada ya que su estado era impredecible debido a su adicción a las anfetaminas y barbitúricos. No había manera de saber en qué estado acudiría a los compromisos o qué trastada cometería. Por fortuna resultó que en la fecha escogida Johnny Cash y Vivian Liberto acababan de divorciarse y Cash pasaba por una época de menos abuso de drogas.

Bob Johnston, el productor, había llamado a San Quentin y a Folsom Prison. Folsom era el primero en contestar de manera que el concierto se celebró allí.

Se optó por hacer dos conciertos en un día, de esta forma de haber puntos débiles o si un concierto salió mejor que el otro, Columbia podría hacer los arreglos oportunos en los estudios y seleccionar las canciones. El primer concierto tendría lugar a las 9.40 am ante unos 1000 convictos y el segundo a las 12.40 pm.

Al igual que Horace Logan (no Frank Page), el presentador del Louisiana Hayride, acuñó en su día la célebre frase “Elvis has left the building”.

Bob Johnston indicó a Hugh Cherry, el presentador en Folsom, que Cash se introduciría a sí mismo y dando instrucciones a Cash de ir directo al micro y decir “Hello, I’m Johnny Cash”. Después, una vez calmada la audiencia Luther Perkins, guitarrista de The Tennessee Three (en 1960 W.S.”Fluke” Holland y su batería se habían incorporado al grupo, por lo que se cambió Two por Three) entonaría las primeras notas de 'Folsom Prison Blues'.

Desde el escenario Johnny conectaba con el público de una manera fácil y natural, estableciendo una relación de tú a tú. Los residentes de Folsom sentían que más que cantar canciones, les explicaba historias cantando, historias con las que se podían identificar. Era una voz que sabía dar sonido a los sentimientos que todos ellos habían experimentado en algún periodo de sus vidas. Sabía mostrar dureza y agresividad. Como aquí en 'Cocaine Blues':



Pero Johnny también expresa dulzura, nostalgia y miedo a la soledad como en
'Send A Picture of Mother':



Glen Sherley era uno de los huéspedes de Folsom y en ocasiones escribía canciones que cantaba. Escribió una canción sobre la capilla en Folsom, 'Greystone Chapel'. Grabó la canción en una cinta que dio a Lloyd Kelly, el responsable de diversión y espectáculos, con la esperanza que la cinta llegara a las manos de Johnny Cash. Kelly dio la cinta al reverendo Floyd Gresset y éste la hizo llegar a su destino. El día de la grabación del álbum, Cash cantó la canción en los dos conciertos, dándole créditos a Sherley que estaba en 1ª fila, haciendo de él el hombre más feliz del mundo.



El interés de Johnny Cash fue más allá del contacto con los presos. Abogaba a favor de una reforma penitenciaria, ejerciendo presión sobre el subcomité del Senado de los EEUU y sobre el mismísimo presidente Richard Nixon con quien tuvo un encuentro en el despacho oval en Julio de 1972 y aprovechó para hablar de la reforma.

Se había comprometido con la liberación de Glen Sherley, quien fue puesto en libertad en 1971. Cash había asegurado a las autoridades que avalaba la reinserción social de Glen Sherley y lo empleó como songwriter en su editorial “House of Cash”, además de llevárselo de giras.

La idea de hacer 2 conciertos resultó ser acertada. En el segundo concierto los músicos estaban cansados y la voz de Johnny daba muestras de estar sobrecargada. Había una notable diferencia entre los dos conciertos y las canciones incluidas en el álbum eran casi todas del primer concierto. Del segundo solo dos canciones encontraron su camino hacia el álbum: 'Give My Love To Rose' (no encontré version de 1968). Esta es del álbum “The Man Comes Around” y le valió un Grammy en 2003:



Y 'I Got Stripes':



Lo que no cambiaba ni se resentía era el vínculo espontáneo existente entre el cantante y su público. Durante los conciertos los guardias habían transmitido mensajes para varios presos y al producir el álbum Bob Johnston incluía algunos de esos en “Johnny Cash at Folsom Prison" que salió al mercado en mayo de 1968.

No hubo mucha promoción porque por aquellas fechas Columbia se estaba centrando más en artistas de música Pop, como Barbara Streisand, Simon and Garfunkel y Bob Dylan (aunque yo no me habría atrevido llamarlo “Pop”). La música country no era la que mandaba en las ventas y de todas formas Columbia nunca había estado muy a favor de este proyecto. Pero contra todo pronóstico el single tuvo gran aceptación y empezó a escalar las listas, primero las de Pop y una semana más tarde (1 de Junio de 1968) las de country, obligando a Columbia a una promoción de urgencia.

Entonces, de repente, los deejays dejaron de tocar el single. El 5 de Junio de este año asesinaron a Robert Kennedy en Los Angeles y la línea “I shot a man in Reno just to watch him die” “bloqueó” el airplay. Columbia y Bob Johnston acordaron editar un single de 'Folsom Prison Blues' sin la polémica línea a lo que Cash se opuso rotundamente pero finalmente tuvo que ceder. Columbia puso unos cuantos miles del single revisado en el mercado y el disco pudo continuar su escalada.

El álbum se colocó en el puesto 13 de las listas Pop, nada frecuente para un álbum country. Solo Glen Campbell ("Gentle On My Mind"), Eddy Arnold ("My World") y Bobbie Gentry (Ode To Billie Joe) habían conseguido semejante éxito en listas Pop. A mediados de Julio el álbum y el single ocuparon el 1º puesto en las listas country y el 13 y 32 respectivamente en las del Pop.

Cuando en 1956 la misma canción había llegado al puesto nº 4 Gordon Jenkins no se daba por enterado, o, a lo mejor no le informaron. Pero ahora se había convertido en una canción de mucho éxito que se oía continuamente en la radio. Gordon Jenkins (en la foto de la izquierda) reaccionó y llevó Cash a juicio por plagio. No podía reclamar sobre la melodía porque era una melodía tradicional y como tal no había copyright, pero en la letra había demasiadas similitudes. Finalmente Cash y Jenkins llegaron a un acuerdo fuera de los tribunales y Cash a través del pago de una cuantiosa suma se quedó con los derechos a la canción.

No sé si realmente es uno de los mejores álbumes “live” que se haya hecho. No sabría elegir entre éste y el “live” de San Quentin y hay muchos álbumes directos que no he escuchado ni tendré ocasión de escuchar pero opino que es un álbum que ofrece todo lo que creo que un “directo” debe tener: buena música en ocasiones quizá algo improvisada lo que da un toque especial, músicos que lo dan absolutamente todo en el escenario y complicidad con el público. Y un público entregado, como éste “Johnny Cash at Folsom Prison” había dado a Johnny Cash el come-back que necesitaban él y the Tennessee Three.

Fueron actuando por toda la geografía Norte-Americana y la de Europa también y donde fueran se agotaron las entradas. Al álbum le seguiría otro “live” en 1969, ”Johnny Cash at San Quentin”. En este año Johnny Cash era el artista de más ventas en los EEUU (dejando atrás a The Beatles) y “at Folsom” le allanó el camino hacia su propio show para la cadena ABC en la televisión. En 1971 fue el protagonista de “This Is Your Life”. (La versión estadounidense de “Esta es su vida”), a la que no pudo asistir Glen Sherley, pero hizo acto de presencia a través de una emocionante filmación poco antes de ser excarcelado:



Glen Sherley, Harlan Sanders, Earl Green son solo algunos presos cuyas vidas fueron cambiadas por Johnny Cash y su concierto en Folsom Prison. Desgraciadamente Sherley no supo acostumbrarse a la vida fuera de la prisión, ni a la fama nia las entrevistas. Para él su casa era Folsom. Entre sus paredes se sentía seguro. El 11 de Mayo de 1978 Glen Sherley se quitó la vida.


EXTRAS

"Johnny Cash At Folsom Prison". El documental


DVD de “Johnny Cash at Folsom Prison” en 6 partes (en inglés con subtítulos en sueco):
PARTE 1ª
PARTE 2ª
PARTE 3ª
PARTE 4ª
PARTE 5ª
PARTE 6ª

"Set list" del primer concierto: 9:40 a.m.

'Folsom Prison Blues'
'Busted'
'Dark as a Dungeon'
'I Still Miss Someone'
'Cocaine Blues'
'25 Minutes to Go'
'I'm Not in Your Town to Stay'
'Orange Blossom Special'
'The Long Black Veil'
'Send a Picture of Mother'
'The Wall'
'Dirty Old Egg-Sucking Dog'
'Flushed From The Bathroom of Your Heart'
'Joe Beam'
'Jackson'
'I Got a Woman'
'The Legend of John Henry's Hammer'
'Green, Green Grass of Home'
'Greystone Chapel'

'Set list' del segundo concierto: 12:40 PM

'Folsom Prison Blues'
'Busted'
'Dark as a Dungeon'
'Cocaine Blues'
'25 Minutes to Go'
'Orange Blossom Special'
'The Legend of John Henry's Hammer'
'Give My Love to Rose'
'Dirty Old Egg-Sucking Dog'
'Flushed From The Bathroom of Your Heart'
'Joe Beam'
'Jackson'
'Long Legged Guitar Picking Man'
'I Got Stripes'
'Green, Green Grass of Home'
'Greystone Chapel'
'Greystone Chapel' (repeat)

"Johnny Cash At Folsom Prison". Reedición de 1999

1. 'Folsom Prison Blues' – 2:42
2. 'Busted' – 1:25
3. 'Dark as a Dungeon' – 3:04
4. 'I Still Miss Someone' – 1:38
5. 'Cocaine Blues' – 3:01
6. '25 Minutes to Go' – 3:31
7. 'Orange Blossom Special' – 3:06
8. 'The Long Black Veil" – 3:58
9. 'Send a Picture of Mother' – 2:05
10. 'The Wall' – 1:36
11. 'Dirty Old Egg-Suckin' Dog' – 1:30
12. 'Flushed from the Bathroom of Your Heart' – 2:05
13. 'Joe Bean' – 3:05
14. 'Jackson' (con June Carter) – 3:12
15. 'Give My Love to Rose' (con June Carter) – 2:43
16. 'I Got Stripes' – 1:52
17. 'The Legend of John Henry's Hammer' (Johnny Cash, June Carter) – 7:08
18. 'Green Green Grass of Home' – 2:13
19. 'Greystone Chapel' – 6:02

La única diferencia con el LP original de 1968 es la inclusión de la canción Joe Bean.

Última entrevista de Johnny Cash
Habla de Thelma (Jimmie Rodgers, Blue Yodel nº1) más o menos en el minuto 3' 50".



Glen Sherley, familiares: hija Ronda Sherley, hijo Glen Sherley. Bruce Sherley, hijo, Marshall Grant explicando ensayos.




Fuentes:

Michael Streissguth: “Johnny Cash at Folsom Prison: The Making of a Masterpiece”
Steve Turner: “The Man Called Cash”. The Life. Love and Faith of an American Legend
Marshall Grant: “I Was There When It Happened. My Life with Johnny Cash”
Folsom Prison Wikipedia
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