La mayor parte de los aficionados al country arquearían las cejas y se encogerían de hombros al escuchar el nombre de Buell Kazee. Sin embargo, es uno de los mejores artistas old-time, poseedor de una voz clara y melodiosa y de una ejecución impecable al banjo. Eso sí, casi todas las excepcionales grabaciones que realizó a finales de los años 20 continúan inéditas en CD. Es hora de descubrir a una de las grandes leyendas de los primeros compases de la Era Comercial de la música country.

Burton Fork, la comunidad rural de Kentucky en la que nació Buell Kazee allá por el año 1900, consideraba la música como algo cotidiano, una de las pocas formas de diversión que permitían a los montañeses evadirse de la monotonía de la jornada laboral. Así pues, para Kazee, comenzar a tocar el banjo a los cinco años no suponía nada del otro mundo.

Con el paso del tiempo, se convertiría en un magnífico músico, capaz de tocar el banjo en varias afinaciones distintas, pero llegada la adolescencia, sintió despertarse en su interior una fuerte vocación religiosa que lo impulsó a centrarse en seguir una carrera eclesiástica. Para ello, comenzó a asistir al Georgetown College, y en sus clases de literatura inglesa descubrió algo de gran importancia: muchas de las baladas que tenía que leer eran las mismas que había crecido escuchando cantar a sus vecinos. Fue ésta una experiencia sumamente decisiva para Kazee, pues lo llevó a interesarse por preservar la cultura oral y musical que había absorbido desde su más tierna infancia.

Además, en Georgetown College, Kazee también recibió una instrucción musical más formal que la que hasta entonces poseía, tomando clases de canto y dicción que pulirían un tanto su primitivo estilo vocal. Esto acabaría por ocasionar una situación verdaderamente curiosa cuando el sello Brunswick se puso en contacto con él a finales de la década de los 20 para ofrecerle una audición. Considerando que la discográfica probablemente estaba buscando un vocalista con un sonido más profesional, Kazee dejó a un lado su repertorio rural y escogió para la audición temas más sentimentales que podrían ser clasificados como baladas pop. Sin embargo, tras el éxito de músicos como Fiddlin’ John Carson y tras las ya legendarias sesiones llevadas a cabo por Ralph Peer en Bristol en 1927, que supusieron las primeras grabaciones de Jimmie Rodgers y la Carter Family, las grandes compañías discográficas descubrieron que existía un mercado todavía inexplorado para artistas folk.



Todavía no sabían cómo clasificarlo, por lo cual epítetos como “old familiar tunes” u “old-time songs” eran mucho más comunes entonces que la etiqueta de “country and western”. Pero, en definitiva, en Brunswick no estaban interesados en temas pop sentimentales, sino en baladas tradicionales acompañadas por banjo, y el repertorio de este tipo de material que Kazee poseía era enorme.

Antes del colapso de Wall Street en 1929, Kazee grabó cerca de 60 temas, muchos de ellos baladas sentimentales, claro. Pero las grabaciones que mayor éxito le reportaron fueron canciones populares de la tradición anglocelta ('Lady Gay', 'The Wagoner's Lad', 'The Butcher's Boy', etc.) en las que brillan su magnífica voz, su dicción perfecta y una muy pulida técnica de acompañamiento al banjo.





Como ocurrió con otros grandes nombres del country, del blues o del jazz (Dock Boggs, Mississippi John Hurt, Jimmie Noone son sólo algunos ejemplos), la Gran Depresión zanjó abruptamente la carrera discográfica de Kazee, y pese al buen ritmo de ventas de sus discos, no grabaría de nuevo hasta finales de los años 50, dedicándose por entero a sus obligaciones como ministro de la Iglesia Baptista.

La irrupción del revival folk en la escena musical norteamericana en los años 50 trajo consigo un renovado interés en las añejas grabaciones old-time, y así, músicos como Dock Boggs, Clarence Ashley o el ya citado Mississippi John Hurt, que no pasaban por un estudio desde hacía décadas, disfrutaron de una segunda carrera, tocando en festivales como el de Newport y teniendo la oportunidad de regrabar sus viejos temas. Buell Kazee no fue una excepción: Harry Smith incluyó un par de canciones de Kazee en su ya clásica Anthology of American Folk Music y estrellas de la talla de Bob Dylan o Joan Baez lo citaron como influencia en sus maneras de concebir la música.

Joan Baez interpretó varias canciones de Buell como "The Wagoner's Lad" que debe de ser una de las primeras canciones de temática feminista de la historia del country. He aquí la primera estrofa:

Oh, dura es la suerte de todas las mujeres
Siempre controladas, siempre confinadas
Controladas por sus padres hasta que se casan
Y después esclavas de sus maridos el resto de sus vidas.

Oh, hard is the fortune of all womenkind
They're always controlled, they're always confined
Controlled by their parents until they are wives
Then slaves to their husbands the rest of their lives.





A su muerte en 1976, Kazee había escrito varios libros de temática religiosa, un tratado sobre banjo e incluso una autobiografía inconclusa. Pero su legado musical, esas magníficas grabaciones de finales de los veinte, todavía no se ha reeditado al completo, lo cual explica la relativa oscuridad en que su figura está sumida. Para escuchar su música hemos de recurrir a recopilaciones old-time que generalmente sólo incluyen una o dos canciones suyas.

En el siguiente video explica algunas de sus técnicas y vivencias, y toca 'John Hardy':



Existe también un CD titulado "Buell Kazee Sings and Plays" (Smithsonian/Folkways, 2007) que presenta una sesión informal que tuvo lugar en su casa en los años 50: su interés radica en que Kazee no solamente interpreta las canciones, sino que también nos habla sobre la historia de cada una de ellas. Pero parece ser que el propio Kazee, que siempre fue un perfeccionista, no estaba completamente satisfecho con dicha grabación. Esperemos que en el futuro algún sello decida llevar a cabo una reedición seria de su obra sonora, sacando así a la luz un capítulo verdaderamente interesante y virtualmente desconocido de la historia del country.

Fuentes:

Barry McCloud (ed.). Definitive Country: The Ultimate Encyclopedia of Country Music and Its Performers.

Notas del doble CD Country: Nashville / Dallas / Hollywood 1927-1942 (Frémeaux & Associés, 2002), escritas por Gérard Herzhaft.

El artista vive uno de los mejores momentos de su carreraEl cantante de música country Marty Stuart, no es sólo uno de los artistas más interesantes de la Music City, por su propia búsqueda personal que le ha situado en diversas rutas musicales valiosas. El foco de su interés actual reside en una rica amalgama de perfiles musicales y, muy especialmente, en el profundo conocimiento musicológico y en la impronta que acumula Marty en música country y que demuestra ampliamente en cada intervención que realiza.

Marty comenzó de niño en la música country cantando gospel, posteriormente tocando con Lester Flatt en los 70, estuvo 6 años con Johnny Cash en los 80, superstar en listas en los 90 con su “Hillbilly Rock”, ganador de 4 premios Grammy, artista platino, estrella del Grand Ole Opry, preservador de miles de objetos relacionados con la historia del country, diseñador, fotográfo, compositor, un prototipo de renacentista country al frente de una extraordinaria banda –los Superlatives-… Hay, como decíamos, muchos Martys en Marty Stuart.

Según el musicólogo Peter North: "En este momento del tiempo Marty Stuart parece arropado por su destino. No sólo como el embajador más notable de la música country o su tutor, sino como su arquetípico cruzado. Él ha evolucionado, sin duda ninguna, hasta convertirse en uno de los músicos de raíces más importantes y visionarios de América ".

Su nuevo disco: “Ghost Train (The Studio B Sessions)”

Marty Stuart ha grabado su último álbum en el legendario RCA Studio B de Nashville. No es la primera vez que toca en ese estudio. De hecho la primera vez fue a los 13 años, con Lester Flatt. Mucho ha llovido desde entonces. Pero la auténtica música country necesitaba ayuda y Marty le ha devuelto la vida a ese estudio convertido en museo –el Country Music Hall of Fame le dio el permiso para utilizarlo-, lo cual fue un honor para Marty.

Según Marty: “Siempre estoy a la caza de grabaciones que pueden inspirar y potencialmente crear la diferencia. Lo que me inspira, ahora, es la música country tradicional. Es la música que más quiero, la cultura en la que fui criado. Es la base sobre la que está construido el imperio de la música country, la fuerza poderosa que provee a este género de su credibilidad, en último término. Está más allá de tendencias y es intemporal. Dicho todo ello, encontré la música tradicional country al borde de la extinción. Es demasiado preciosa para dejarla irse. Quise intentar escribir un nuevo capítulo.”

Ese nuevo capítulo es “Ghost Train (The Studio B Sessions)” que incluye un dúo como ‘I Run To You’ escrita e interpretada por Marty y su esposa, la legendaria Connie Smith, "A World Without You" también escrita por la pareja, el recitado dramatizado de "Porter Wagoner's Grave", en el estilo gótico sureño (esto de gótico lo lei en un blog y me hizo gracia) que acuñó Porter Wagoner, ecos de Jimmie Rodgers en "Ghost Train Four-Oh-Ten" ; y “Hangman” coescrita con Johnny Cash unos días antes de su muerte.

Pero no todo es rendir tributo al ayer. En "Hard Working Man" se abordan las condiciones de la vida del trabajador del siglo XXI. Marty comenta: “Cuando la música country hace su trabajo, habla de lo bueno, lo malo y lo indiferente de nuestra condición humana. Cuando los tiempos son buenos tenemos canciones para bailar , cuando los tiempos son difíciles, se supone que debemos hablar de ello. Eso es música country”.

Sobre este trabajo Marty afirma: “Me basé en el modelo original de la música country para el tema tratado… Fue mi forma de trabajar. Escribí sobre amor, matrimonio, corazones rotos, el hogar, el trabajo y su carencia, la vagancia, la ley, cárcel, ríos, muerte, pecado, redención, beber y mujeres de buen corazón. Esas palabras y melodías nos rodean, fantasmas, locos enamorados, el alma torturada de un siniestro verdugo, un borracho, un predicador, un trabajador, chicos country rocanroleros, viajeros cansados de llorar, jugadores, matones, ladrones, y mis iguales. Las historias están localizadas en sitios como San Francisco, Texas, el cielo, el infierno, una tumba, una galería de ejecuciones, Nashville y Mississippi, todos esos sitios que se transforman en vías de tren que desaparecen en medio de la nada. Ahora, es mi clase de historia y una reflexión bastante honesta de los últimos años de mi vida. Es puro lenguaje del antiguo testamento de la música country. Y de acuerdo al periódico que leí esta mañana todos los temas mencionados están vivos y bueno… son todavía válidos”.



Marty Stuart patentó en los 90 el “hillbilly rock” y esta fórmula se repite en su versión de clásicos como "Country Boy Rock & Roll” de Reno & Smiley, "Bridge Washed Out” de Warner Mack y en un par de nuevos temas “Branded” otro original de Stuart y "Little Heartbreaker", coescrita con otra leyenda viviente de la música country, el steel guitar, Ralph Mooney, que toca en su no menos legendario clásico “Crazy Arms”, acompañado al piano de otro grande de las sesiones musicales de Nashville: Hargus “Pig” Robbins.

“Hummingbird” es un instrumental homenaje a Clarence White (Nashville West, The Byrds, Muleskinner, Kentucky Colonels) en el cual, Marty toca la guitarra original de Clarence, lo que le convierte automáticamente en un clásico. “Mississippi Railroad Blues” cierra con un virtuoso solo de Marty a la mandolina.

Pero al igual que Buck Owens tuvo a los Buckaroos con Don Rich al frente, Bob Wills tuvo a los incomparables Texas Playboys y Merle Haggard tiene a los Stranglers, Marty Stuart sigue esa tradición no escrita de la música country y cuenta con una banda de auténtico lujo llamada los Superlatives comandada por el fantástico Kenny Vaugham en la guitarra, Harry Stinson en la batería y Paul Martin al bajo. Tres artistas que prodigan unos coros incomparables y que elevan el trabajo de Marty a otra dimensión.

“En realidad” dice Marty, “nuestra banda comenzó con este disco hace años cuando la formé. Al principio, escuchábamos a los gigantes del blues como Muddy Waters y Little Water y entonces tocamos música country. Vimos los viejos videos de Jimmie Rodgers y entonces tocamos bluegrass. O escuchamos a Buck Trent, que tocaba el banjo eléctrico con Porter Wagoner y entonces cantábamos góspel. Toda la música nos importaba. Cada música pareció contribuir a la fundación de los Superlatives. Fuimos animados e inspirados por mucha gente cuando reuníamos nuestro poder y definíamos nuestras identidades. Esas influencias continúan siguiéndonos hasta el escenario. Uno de nuestros principales logros ha sido traer el escenario hasta nosotros en el estudio de grabación cada vez que grabamos”.



Obviamente las sinergías que se crean en cada episodio del Marty Stuart Show también ha influido en el disco. De hecho la mayoría de las canciones fueron presentadas en el programa antes de ser grabadas. Y la audiencia respondió a ellas.

“Desarrollar “Ghost Train (The Studio B Sessions)” ha resultado una experiencia transformadora de muchas maneras. Estas canciones tienen algo, este proyecto viene del corazón. Lo he dicho muchas veces, cuando no tienes miedo de seguir tu corazón, cueste lo que cueste, te lleva al lugar correcto. Esta vez me llevó a la música country tradicional y el resultado es la música de “Ghost Train (The Studio B Sessions)”. Estoy a gusto con ello y de hecho estoy muy orgulloso, es verdaderamente quien soy”, concluye Marty Stuart.


Entrevista en el St. Louis Post Dispatch

Hace unos días fue entrevistado por Daniel Durchholz para el St. Louis Post Dispatch. La entrevista me ha resultado tan amena e interesante que he querido compartirla en este blog:

SLPD: ¿Qué nos puedes decir del nuevo álbum?

M.S.: Se llama “Ghost Train (The Studio B Sessions)". Es música country tradicional. Es verdaderamente mi hogar. El show de la RFD que estoy haciendo me proporciona un sitio para estar y hacer lo que mejor hago y eso es música country tradicional. No es cuestión de ser retro, sino auténtico. Es totalmente, en mi opinión, un nuevo capítulo con nuevas canciones, la mayoría de ellas. Volvimos al Estudio B de RCA y de ser un museo lo transformamos en un estudio de grabación de la mayor categoría. Es un disco fantástico.



SLPD: Durante la última década has ido en direcciones musicales diferentes, pero todas orientadas a las raíces: gospel, bluegrass, etc. Y ahora dices que vuelves al auténtico country. ¿Qué define, en tu opinión, la auténtica música country?

M.S.: Si retrocedemos al principio de la década, el primer disco que hice se llamaba "Country Music". Ese fue el primer disco con los Superlatives. Pero fui culpable de querer intentar conseguir un éxito haciendo música country tradicional. Era realmente como tener una especie de doble personalidad. No sonaba tan verdadero para mi como yo quería. Debería haber ido a un extremo de la linea o al otro. Y entonces desarrollé mi sello discográfico Superlatone y ya no tuve que competir porque la radio comercial no me necesitaba y no tenía un show de televisión en aquella época.



Los Superlatives y yo como banda en desarrollo empezamos a tocar las raíces de la música americana. Fuimos invitados de honor en el mundo del gospel de Delta, fuimos invitados de honor en el mundo del bluegrass, en el mundo del americana. Y me di cuenta que a cada sitio al que ibamos creabamos una diferencia y, tal vez, inspirados y animados aportamos una pequeña llama nueva a esos géneros. Pero no me sentía todavía que tenía un lugar en el que ser yo mismo. Y, en realidad, ese disco con Porter Wagoner me hizo pensar. Amo la música tradicional. Me doy cuenta cuando voy de gira y escucho discos de música country tradicional, todavía lloro. Sigo escribiendo esa clase de canciones. Y cuando el show de la RFD vino, me dió un lugar para escenificarlas. Pensé: "OK, puedo ser todo lo tradicional que quiera y seguir aquí". Y es lo que he hecho durante los dos últimos años. Y funciona.



Los sonidos que me definen son más tradicionales: Steel guitars, guitarras Telecaster con twang. El asunto es volver al libro de texto, a la plantilla que Jimmie Rodgers escribió: engaños, borracheras, redención, asesinatos, cárcel, mamá, amor, pérdida y mucho más. De acuerdo al periódico de esta mañana todavía son temas válidos.

SLPD: Hay una canción en tu nuevo álbum que escribistes con Johnny Cash justo antes de su muerte. Cuéntanos acerca de ella.

M.S: Al día siguiente del entierro de June Carter, John Carter (Cash) me llamó y dijo: Papá quiere grabar". Dije: "Esas son las mejores noticias que he oido. Vamos. Le tendremos ocupado. Grabamos canciones en su cabaña, grabamos canciones en su casa, hicimos sesiones en la mía. Hicimos sesiones en la vieja casa de la madre y el padre de John. Era cuestión de mantenerle ocupado de la forma que él quisiera. Iba y tomabamos café con él por la mañna, si se sentía con ganas de ver a alguien. Pero el estado de su salud dictaba todo.

Cuatro días antes de que muriese fuí la prisión de Folsom. El gobernador me dió un pase para entrar. Quería ver donde se grabó el disco. Quería tocar y oler la experiencia Folsom. Así que me la enseñaron. Fue grabado en la cafetería. Grabaron el disco dos veces por la mañana. Pronto por la mañana. Pero tras la pared de la cafetería en la que grabaron estaba la galería con las horcas, donde acababan con las vidas de la gente. El día que estuve ahí, la banda country estaba tocando, así que me senté con ellos y tocamos algunas canciones. Fuí y vi la capilla Graystone, el lugar sobre el que Glen Sherley escribió la canción que John cantó. Ya de camino a casa comencé a pensar en las horcas. Y una especie de malestar vino a mi, ¿no sería un trabajo horrible ser un verdugo (hangman)?. Cuando vuelves a casa por la noche, ¿qué dice tu familia?. 'Un gran trabajo, papá'. ¿qué alma torturada tendrías siendo un verdugo?.

Comencé la canción y ese día fui a ver a John. Hablamos de Folsom. Y dije: "La he empezado, se llama 'Verdugo (Hangman)' y le dije por qué la escribí. La letra es “I killed another man today/It’s hard to believe/I lost track at 30/Now I’ve grown too numb to grieve/The bottle helps me cope when I lay down at night/And when the dope rolls through my veins/It all fades out of sight” (Hoy maté a otro hombre. Es difícil de creer. Dejé de contar a los 30. Ahora la pena es tan grande que me ha dejado insensible. La botella me ayuda a arreglármelas cuando me acuesto por la noche. Y cuando la dosis corre por mis venas todo se desvanece de mi vista). Y tenía: “Hangman, hangman, that’s my stock in trade/Hangman, hangman, sending bad men to their graves” (Verdugo, verdugo, esa es mi especialidad, enviar hombres malvados a sus tumbas)

Él habló y me dijo: “Who killed who, I asked myself time and time again/God have mercy of the souls of hangmen.” (¿Quién mató a quién? Me pregunto todo el tiempo. Dios tenga piedad de las almas de los ahorcados.)



SLPD: Íncreíble. Esa es buena.

M.S.: Me preguntabas acerca de la música country. La auténtica música country para mi es lo que has vivido. Todo en este disco, sea redención o ir a la cárcel o perder a Johnny Cash o perder a Porter Wagoner, sabes, elegir un tema y escribir acerca de él para este disco... Lo he vivido. Y esa es la mejor clase de música, la que tú has vivido.

SLPD: Es fantástico el disco que hiciste con Porter el cual, por cierto, era de Missouri. Siempre ha sido alguien que ha respetado la música country de nuestros mayores y ayuda a mantener vivo su trabajo.

M.S.: Es el viejo sistema nativo americano, básicamente. Es el sistema más viejo del mundo. En la familia de la música country empiezas como un scout y el chico para todo, y trabajas camino arriba para ser un adulto y entonces un guerrero. Honras a tus jefes y a tus reinas. Y en algún momento del camino, si sabes hacerlo bien, puedes llegar a alcanzar ese nivel tú mismo. Me he referido siempre a un puente entre el pasado y futuro. Pero me gusta donde estoy ahora. Estoy en una posición ideal para atraer a los jóvenes y animarles, pero estoy, además, en una posición para ver la casa de nuestros mayores y ver como cubren sus hombros con una toga mientras se van. Ese es un gran lugar para estar.

SLPD: Tú comenzaste verdaderamente muy joven. ¿Tenías 13 años cuando comenzastes con Lester Flatt?, ¿fue una elección correcta para ti?. Quiero decir, creo que ir por la carretera con Lester Flatt no es lo mismo que ir con Motley Crue. ¿O lo es?

M.S.: Estuvo muy planificado. Era un contrato de trabajo, amigo, fue pactado. Cursos por correspondencia, los impuestos, todo funcionó bien. Tenía que guardar algo de dinero todas las semanas. El resto fue a mi madre, al banco. Estuvo bien planificado. Pero ¿fue la decisión correcta?. Para mi lo fue, absolutamente.

Sin embargo, dudo que mis padres me hubieran dejado salir de gira con Ozzy (Osbourne).



SLPD: Cuéntanos acerca del "Show de Marty Stuart" . Este es tu segundo año.

M.S.: Si este es nuestro segundo año. Mi show favorito a través de los años era un viejo show de los 50 llamado Grand Ole Opry. Estos shows estaban bellamente elaborados, en Technicolor. Son los más bellos documentos de esa era de la música country. Eran coloristas, felices, casi como una celebración en un pajar. Más allá de eso, mis shows favoritos eran: “Flatt & Scruggs", "The Porter Wagoner Show", el viejo “Johnny Cash Show”. Y un montón de esos shows sindicados de 30 minutos de los 60. Y durante años me pregunté: "¿por qué alguien no vuelve a hacer uno de esos shows? Treinta minutos con una gran banda, los mejores invitados que pueda haber, pacas de heno, carretas, de todo un poco. Trajes. Hillbilly Hollywood. Y entonces un día pensé, "Bueno, y ¿por qué no lo hago yo?".

Descubrí la cadena RFD porque ellos todavía emiten "The Porter Wagoner Show”. Les llamé y charlamos, unos meses más tarde estabamos en el estudio. Los invitados han estado como locos. Desde Emmylou Harris a John Prine, Dolly Parton, Merle Haggard, Connie Smith (la esposa de Marty), Earl Scruggs, Jimmy Dickens… Y un montón más. Lo mejor de lo mejor.



SLPD: Una cosa más. Eres un preservador de artículos country. Cuéntanos algo acerca de tus esfuerzos en esta dirección:

M.S.: Siempre he tenido esa afición, creo, comencé cuando era niño, bien coleccionando fotos 8x10 de artistas que venían a la ciudad, pidiéndoles la púa de la guitarra o coleccionando la revista Country Song Roundup. Yo era de esa manera. Se volvió más serio según fue pasando el tiempo. A principios de los 80, cuando el fenómeno "Urban Cowboy" llegó, fue el fin de una era para un montón de cosas. Esos viejos trajes que vestían los viejos compañeros, los trajes Nudie, las guitarras personalizadas con el nombre de la gente en su cuello, esa clase de cosas. Todo empezó a desaparecer. Pero me di cuenta de que esos artículos comenzaban a verse en casas de empeño, tiendas de segunda mano, ventas de garaje... Me pareció fatal. Porque yo era parte del nuevo sistema por mi edad, pero por mi experiencia y por donde he estado, sabía que era una vejación y me sentí mal por ello.

Cuando estaba en el show de Johnny Cash, tocamos en Londres y me encontré al cofundador del Hard Rock Café. Me llevó con él y vi tesoros en las paredes, de los Beatles, de los Stones, Otis Redding, los Who y Jimi Hendrix. Y pensé: "Aunque sea un restaurante, lo tratan con mucho respeto". El Country Music Hall of Fame era la única entidad que cuidaba los artículos country. Y su política era que no pagaban por nada. Siempre eran donaciones. Y mucha gente no estaba en posición de darlo, así que lo vendían. Volviendo a América, recordé que acababa de comprar en Nashville una maleta para el tren de Patsy Cline por 75 dólares. Y había visto una famosa guitarra abandonar Nashville rumbo a Japón por 300 dólares. Pensé: "No puedo consentirlo", así que empecé a coleccionar todos los trajes, los manuscritos, botas, guitarras... todos los tesoros del mundo que pudiera. Comenzó en mi dormitorio de casa de mis padres, más tarde en un pequeño almacén, después en dos y ahora tiene 20.000 piezas. Es probablemente la mayor colección de artículos country que hay. En los últimos tres años comenzamos una exhibición llamada “Sparkle & Twang: Marty Stuart’s American Odyssey” que enseña todas estas cosas y que está de tour por todo el país. Tiene mucha vida. Muchos visitantes. La buena noticia es que todos estos artículos se salvaron. Es cultura americana y pensé que era demasiado importante para que se desvaneciera.

SLPD: ¿Todavía tienes el autobús de Ernest Tubb?

M.S.: Nunca me perteneció. Sólo lo alquilamos hace años. Viajamos en él un tiempo, era un viejo Hornet negro. Alguien me dijo que aún andaba por la carretera, pero tenía 3 millones de millas cuando yo lo utilicé. Nunca te podías fiar de que no tuviera una perdida de aceite y me manché demasiadas veces con él.


Fuente:

MartyStuart.net
Saint Louis Dispatch

En la primera parte de Folk América, en el reportaje de la BBC titulado "Folk America" hemos visto hablar a dos personajes, aún vivos afortunadamente, que suman juntos la estimable cifra de 203 años: el banjista Wade Mainer y el guitarrista Slim Bryant.

Wade Mainer. El decano de la música country.

Wade es todo un personaje en el bluegrass ya que posiblemente representa el último link viviente entre el old time mountain music y el "nuevo" bluegrass de Bill Monroe en primer lugar y posteriormente de Flatt & Scruggs, Jimmy Martin, Doc Watson, Ralph Stanley, etc. más tarde. De modo que si Bill Monroe fue llamado el padre del bluegras, Wade ha sido llamado el abuelo del bluegrass. Entre otras cosas porque inventó el picking del banjo con dos dedos, luego vendría Earl Scruggs y evolucionó tocando con tres dedos.

Wade nació el 21 de abril de 1907 en Weaverville, North Carolina, y vivó su infancia y juventud en una cabaña de las míticas Blue Ridge Mountains. La principal influencia de Wade en aquella época era la música montañesa y las canciones de su padre y su cuñado. Aprendió a tocar el banjo en bailes Square y más tarde formó parte de la banda de su hermano J. E. (fiddler), la J. E. Mainer´s Mountaineers en 1934.

Sus primeras grabaciones datan de ese año cuando comenzó a destacar por su innovador estilo de tocar el banjo con dos dedos y era asiduo de numerosos programas de radio locales en los estados sureños. Su fama fue creciendo y comenzó a grabar con el legendario sello Blue Bird. 'Mapple On The Hill' fue su principal tema de esa época.

En 1937, Wade se casó con Julia Brown (Hillbilly Lily), una guitarrista pionera entre las mujeres, y formaron su propia banda, primero los Smilin´ Rangers y muy poco después, los Sons of The Mountaineers. Su primer hit para la Bluebird fue 'Sparkling Blue Eyes' en 1939.

Entre 1935 y 1941 se calcula que que Wade Mainer grabó más de 165 temas, lo que en aquella época de discos a 78 rpm se consideraba todo un récord.

Durante la Segunda Guerra Mundial cesaron de viajar porque no podían hacer frente a los gastos de gasolina, excepto para una actuación en la Casa Blanca para el presidente Franklin Delano Roosevelt y su mujer Eleanor. Tras la guerra la banda se reorganizó pero las grabaciones fueron disminuyendo debido al bajón en popularidad del género. En 1953, Wade renovó su fe cristiana, dejó la banda por un tiempo y se puso a trabajar en General Motors, abandonando el banjo (demonizado por los ultrarreligiosos) y cantando sólo esporádicamente en eventos gospel. En 1961 su mujer le convenció de que lo volviese a tocar el banjo y volvieron a grabar y a actuar juntos. Finalmente se retiró de General Motors en 1973.



Wade ha tocado habitualmente con su mujer hasta los años 90 e, incluso, volvió a hacerlo een 2008 con motivo de su 101 cumpleaños.

No hay duda de que estamos ante otro de esos personajes decisivos en la música americana de raíces y cuya longevidad que nos asombra, nos hace reflexionar sobre las lineas del tiempo que nos llevan ininterrumpidamente desde el old time a las corrientes más actuales del bluegrass. Wade es historia viviente de la música americana, un pionero y un superviviente de una época dorada.





Slim Bryant. El guitarrista de Jimmie Rodgers y Clayton McMichen.

Slim Bryant nació el 7 de diciembre de 1908 en Atlanta, Georgia. Tiene por tanto 101 años. Cantante, guitarrista, compositor... tras 18 años trabajando para el mítico fiddler de Georgia, Clayton McMichen, como parte de su banda de western swing se mudó a Pittsburgh en 1940, donde es considerado por el precursor de la escena country en esa ciudad. Allí creó el primer programa de música country de esa ciudad, un show de variedades en 1949.

La curiosidad es que se cree que es el último músico superviviente de los que grabaron con Jimmie Rodgers, nada menos. Jimmie Rodgers murió en 1933, y un año antes en 1932, Jimmy grabó la canción de Slim titulada 'Mother, The Queen of My Heart' con Slim acompañándole a la guitarra y en otras 8 canciones más.



Fue en el verano de 1932, McMichen recibió un telegrama en Cleveland de Jimmie Rodgers. Se habían conocido en una gira en Carolina unos años antes y Jimmie quería un fiddler en su próxima grabación. McMichen aceptó y sugirió que Slim podría ayudarles. Jimmie accedió y con una guitarra Martin recién estrenada fueron a grabar. En Victor Records Jimmie Rodgers y Ralph Peer escucharon a Slim cantar "Mother, the Queen of My Heart" y Jimmie decidió grabarla con la ayuda de Slim a la guitarra que imitó el estilo de Jimmie Rodgers, ya que Peer quería que el cantante, que ya se estaba enfermo de tuberculosis ahorrase fuerzas. También grabó temas como "No Hard Times Blues", "The Hills of Tennessee" o la legendaria "Miss The Mississippi and You". Slim y McMichen aprovecharon el viaje para grabar sus propios temas.

Slim tuvo mucho influencia del jazz y fue un precursor que incorporó los solos de guitarra y el ritmo "sock", una forma de tocar la guitarra golpeando las cuerdas, mucho antes de que otros guitarristas country lo hicieran. A lo largo de su carrera tocó como músico de sesión con Joe Negri, Tex Ritter, y el 'singing cowboy' Gene Autry.

Con su grupo los Wildcats, escribió y grabó muchas canciones durante su carrera como 'Eeny Meeny Dixie Deeny', lo más cerca que estuvo de tener un éxito en lista de Billboard, tema también grabado por Zeke Manners.

Nunca tuvo un número uno a nivel nacional, ni siquiera ha tocado en el Grand Ole Opry y, sin embargo, es parte de la historia de la música country, e incluso, el guitarrista Les Paul le tuvo como su ídolo en su niñez. (En la foto Slim con Merle Haggard).



Bryant, que hasta hace unos pocos años estuvo dando clases de guitarra, aún vive a sus 101 años en Dormont, Pennsylvania. Bueno, le viene de familia, su madre vivió 104...

Fuentes:

Wikipedia Wade Mainer
Vintage Guitar
Wikipedia Slim Bryant
Post Gazette
Jimmy Rogers Saga

La BBC realizó este documental en tres partes sobre el nacimiento de las músicas folklóricas estadounidenses contemporáneas, entre las que se encuentra la música country. Interesante retrospectiva que nos introduce en el túnel del tiempo para descubrir cómo empezó todo. Muchas gracias a Hanny por el enlace.

Folk América - Parte 1ª : El Nacimiento de una Nación

Primera parte de una serie documental de tres partes sobre la música folk americana, trazando su historia desde el auge de la grabación de la década de 1920 hasta el resurgimiento del folk de la década de 1960.

En ella se analiza cómo, en la década de 1920, las compañías discográficas recorrían el sur de Estados Unidos buscando nuevos talentos para grabar discos. Esta fue una época dorada de la música americana, con nuevas estrellas como la Carter Family, Jimmie Rodgers, Blind Lemon Jefferson, Charlie Poole, Dock Boggs y Mississippi John Hurt. Nacía una nueva industria, la discográfica, que cayó como toda América, cuando llegó la Gran Depresión. Entre los participantes de este documental se encuentran Judy Collins, Steve Earle, Tom Paxton y Pete Seeger, además de tres supervivientes reales de la época: el guitarrista Slim Bryant, Wade Mainer -intérprete de banjo- y el delta bluesman 'Honeyboy' Edwards.



Folk América - Parte 2ª : 'This Land Is Your Land'. Esta Tierra es tu Tierra.

En la depresión de la década de 1930, el musicólogo y folklorista John Lomax encontró a un asesino convicto en una cárcel del sur, Leadbelly. La música de Leadbelly música nunca fue tan pura y sin tocar por el pop como Lomax creía, pero contribuyó a redefinir la música popular americana, la voz de protesta, la voz del extraño y los oprimidos. Junto a Woody Guthrie y el hijo de Lomax, Alan, Pete Seeger y Josh White formaron un grupo de amigos que creía que "podrían hacer un mundo mejor si todos ellos se unían y cantaban acerca de ello". Sus canciones y su política radical los llevó a lugares altos de influencia, pero provocó su caída en la década de 1950 cuando llegaron las listas negras y la caza de brujas del senador Joseph McCarthy. Entre los participantes están Ramblin´ Jack Elliot, Anna Lomax, Tom Paxton, Roger McGuinn, la hermana de Woody Guthrie y su hija, y el hijo Josh White.



Folk América - Parte 3ª : 'Blowin' In The Wind'

En la década de 1960 una nueva generación, encabezada por Joan Baez y Bob Dylan, tomó el folk por bandera y la convirtió en la voz de protesta juvenil. El folklore norteño ayudó a los derechos civiles en el sur, y el Newport Folk Festival trajo la música old time del sur a los chicos de la universidad en el norte. Y cuando Dylan se presentó en Newport en 1965, con una guitarra eléctrica las cosas nunca serían lo mismo. Con Joan Baez, Pete Seeger, Judy Collins, Robbie Robertson, Stephen Stills, Country Joe McDonald, Roger McGuinn, Odetta y Tom Paxton.

La música country es un estilo musical nacido de la influencia de otros muchos estilos que tiene su origen en Estados Unidos, principalmente, y que debido a la influencia discográfica y cinematográfica se extiende rápidamente a países de habla inglesa como Nueva Zelanda, Australia y Canadá, a primeros de los años 30. Estos países contaban con elementos de folklore similares, aún con sus diferencias, razón por la cual arraigó fuertemente.

He elaborado este cuadro para los que quieran conocer los principales estilos de la música country y su progresión evolutiva en Estados Unidos, a lo largo de los últimos 88 años. El criterio es integrador, por tanto, he encuadrado en nuestra música una serie de estilos y corrientes que otras voces no integran, como el western, incluso el cajun, tal vez la muestra más extrema. En mi opinión el criterio excluyente es reductivista y no contempla las numerosas fusiones y mutuas influencias que permiten situar en un mismo tronco común las muestras de la música americana de raíces y que facilitan, en definitiva, una explicación más rica, variada y real del hecho musical americano.

Una última consideración. Cuando citemos las influencias o los géneros musicales más influyentes de cada época no significa que hayan desaparecido hoy en día. Curiosamente, continúan todos vivos. Desde la polka, al yodel o a las jug bands, siguen interpretándose enriqueciendo nuestra música y haciendo de ella uno de los géneros más variados, mejor conservados y más influyentes musicalmente de todos los tiempos.

La explicación es bien sencilla. La música country es una música de raíces y, por tanto, se conserva de generación en generación y, de momento, desde los géneros más antiguos como el old time, a los menos comunes, como la música negra montañesa que está siendo recuperada en los últimos tiempos, continúa viva para disfrute de las nuevas generaciones.

01. 1922-1937

Resulta complicado determinar cuando las rústicas baladas angloceltas old time dejan de ser tales y evolucionan hacia un nuevo estilo country. En Eck Robertson, el primer fiddler que grabó música country allá por 1922, todavía se observan muchos elementos folkies. Por eso, muchos especialistas trasladan la fecha del inicio de la era country a 1927, a las famosas sesiones Bristol, de Ralph Peer.


En esas mágicas grabaciones la Carter Family, en primer lugar, y Jimmie Rodgers pocos días más tarde entraron en la leyenda. La Carter Family mostrando la tradición de los Apalaches desde un punto de vista más contemporáneo y Jimmie Rodgers mezclando blues con canción de autor folk. Y, a partir de ambos, se produce la gran explosión country.





Pero esa "sopa" musical tiene varios ingredientes que influencian a la música country parcial y totalmente en sus diferentes estilos, lugares y grupos.

01.1. Baladas anglocélticas. Música de los Apalaches. Old Time. Folk

La influencia más destacada en mi opinión es la música old time de los Apalaches. ¿Por qué? porque el tronco musical country se sustenta sobre la savia de las baladas angloceltas traidas a Estados Unidos por los emigrantes celtas -irlandeses y escoceses- e ingleses. Esa mezcla se asienta en las montañas de los Apalaches y comienza a fermentar y a transformarse en un estilo montañero o hillbilly, que entronca con la canción folk y el old time.



01. 2. Música Negra. Banjo. Blues. Jug Bands.

Al mismo tiempo los emigrantes afroamericanos o negros trajeron consigo un instrumento que, a la postre, abandonarían posiblemente debido al complejo "Tío Tom" y a los artistas blancos caras pintadas de los años 30, pero que resulta uno de los pilares distintivos de nuestra música: el banjo. El banjo cruzó con las baladas angloceltas y dió fruto a las bandas negras o jug bands (debido a las jarras de licor que incorporaban y que hacían sonar soplando) que tocaban música country y a un buen número de bandas blancas que lo asumieron como propio.



En los años 40, Earl Scruggs revolucionó la forma de tocar el banjo, incorporando púas en los dedos, tocando las cuerdas independientemente y alcanzando velocidades vertiginosas en su "pickin´", elevando la naciente música bluegrass a otro nivel.

Y desde el Mississippi el blues, nacido del cántico espiritual negro, fusionó su tristeza con el sacrificio del trabajador blanco y nos habló del alma sureña para comenzar a iluminar la naciente industria músical folklórica de nuestra música. Jimmie Rodgers fue el pionero, tocando con músicos negros como Louis Armstrong.

01.03. Pop. Stephen Foster.

El autor de canciones tan emblemáticas como 'Oh, Susanna', 'Camptown Races', "Hard Times Come Again No More', o 'Beautiful Dreamer', fue y sigue siendo una influencia más que reseñable en el cancionero popular americano a pesar de fallecer a la temprana edad de 37 años. Y su huella se deja sentir en la música pop del siglo XIX y principios del siglo XX, así como en la música country posterior.



01.04. Western. Cowboy.

Resulta obvio para cualquier persona, incluso ajena a nuestro estilo, que el mundo western es una importante influencia para la música country, no sólo por la estética de cowboy cinematográfico que se incorporaría más tarde, sino por la temática que refleja este mundo agreste y dado a solucionar a tiros las disputas. También porque las baladas angloceltas al llegar a las planicies texanas se suavizan a la luz de las hogueras y bajo las estrellas. Contando romáticas historias de cowboys, caballos, indios, cantinas, duelos, bellas señoritas y, en general, mostrando el estilo de vida de la conquista del Oeste.



01.05. Gospel

La música gospel sureña tanto blanca como negra representan una gran influencia desde los inicios de la música country hasta la actualidad, como en el bluegrass. Los himnos religiosos tradicionales, el diálogo directo con Dios y la temática religiosa son una constante. Habiendo incluso un circuito cristiano y artistas exclusivamente de este género. ¿Hay gospel country? Definitivamente lo hay.



01.06. Cajun

La música cajun (leido kéillun) se origina en Louisiana. Los cajuns son en su mayoría descendientes de los acadianos, canadienses francófonos deportados a Louisiana. Lo más curioso es que en un mar anglófono este pueblo celoso de sus tradiciones y favorecido por el aislamiento de los pantanos de Louisiana siguen conservando sus costumbres ancestrales y su idioma, una especie de francés criollo.

La música cajun combina alegres temas bailables con valses, con el acordeón diatónico a botones, el triángulo y un peculiar estilo de tocar el fiddle como marca de la casa. Posiblemente esta música pueda considerarse una "prima" de nuestro género, pero son muchas las muestras musicales cajun que influencian la música country y se desarrollan en nuestra música.



01.07. Música hawaiana. Steel Guitar.

Desde finales del siglo XIX la música hawaiana de raíces polinesias, comenzó a influir en la música americana a través de la invención de la steel guitar. Primeramente mediante la acústica lap steel, que aportaba ritmos cadenciosos y prolongaba las notas casi mágicamente y luego mediante el desarrollo de la pedal steel guitar eléctrica, como su nombre indica con pedales.



Ni que decir tiene que escuchar música country sin steel guitar es como comer sin sal, tanta es la influencia que este curioso instrumento ha ejercido en este singular género del que hablamos.

01. 08. Música mexicana. Guitarra.

La influencia de la música mexicana en la música country se percibe principalmente en la utilización de la guitarra. Un instrumento con varios orígenes y antepasados pero que, en España, podría provenir de la dominación árabe. Precisamente comenzó a divulgarse como instrumento popular en los primeros años de la conquista española de América, siglo XVI, por lo que no es difícil trazar su paso a México, su influencia en la creación de las músicas criollas, mezcla de músicas indígenas, músicas españolas e, incluso, africanas.



La guitarra no tuvo que cruzar la frontera. Texas, California, Nuevo México o Colorado eran territorio mexicano, hasta la conquista por parte de los pujantes y agresivos Estados Unidos de América.

En cuanto a las temática, la influencia del español, de referencias a lugares y gentes hispanos o de melodías prestadas es constante y continúa en la actualidad, con mayor influencia si cabe, dado el espectacular crecimiento de la población hispana en Estados Unidos y la pujanza de músicas autóctonas como el Tejano.

01.09. Música centroeuropea. Yodel. Acordeón.

Las emigraciones centroeuropeas: suizos, alemanes, austriacos, checos y demás, influenciaron de una manera relevante a la música country. Mediante un peculiar canto, el yodel, con rápidos y peculiares altibajos y alegres melodías alpinas.

Además, los emigrantes centroeuropeos trajeron consigo el acordeón cuya difusión es masiva en la música cajun y tejano, así como en estilos como la polka, que junto con el vals forman los principales ritmos y bailes traidos por estos emigrantes. Muchos de los cuales, como multitud de checos, se asentaron en Texas.



La radio y el cine

Todas estas influencias constituyen el magma vital donde desde los primeros años 20 a mediados de los años 30 que contribuye a formar el género musical country como música plenamente contemporánea dentro de la era fonográfica.

Pero dos hechos fundamentales paralelos vinieron a hacer evolucionar la música country rápidamente: la radio y el cine.

A partir de los años 20 la aparición de la radio tuvo un efecto comparable a la difusión de internet hoy en día. Todas las noches la familia se reunía alrededor del aparato de radio en el salón o en el salón del vecino a escuchar las melodías, generalmente en directo, interpretadas en las emisoras locales. Una radio comenzó a destacar rápidamente: la WSM, fundada en 1925. Con una potencia de 50.00 watios, y gracias a la ausencia de interferencias solares por la noche llegaba a todo el sur y el medio oeste norteamericano. La WSM emitía todos los sábados el show del Grand Ole Opry constituyendo una de las principales razones de la difusión masiva y el éxito de la música country. Un show radiofónico que es hoy el más antiguo del mundo, un honor que recae en la música country.



La segunda influencia es el cine. Carl T. Sprague grabó la primera balada cowboy 'When the Work's All Done This Fall' allá por 1925. Pero en la década de los 20 las películas del oeste aún eran mudas. Con la invención del cine sonoro surgió la figura del Singing Cowboy con Ken Maynard como primera figura estelar, hasta la aparición de Gene Autry en 1934.



La estética cowboy tuvo una difusión masiva dentro del género country, llegando a los coloristas y, sin duda, llamativos trajes Nudie, y 75 años más tarde continúa asociada al mismo aunque muchos artistas no provengan de estados típicamente ganaderos, como algunos artistas de bluegrass. Llevar sombrero hoy es una cuestión de estética personal, aunque no llevarlo no significa que se sea menos country, ni mucho menos.

El Western Swing

Este estilo musical nació en los años 20, teniendo su mayor apogeo hacia finales de la Segunda Guerra Mundial. Consiste en una combinación ecléctica de música hillbilly, western-cowboy, polka, música folk, jazz dixieland de Nueva Orleans, rag y blues mezclado con un swing jazzy. Esta música era habitualmente interpretada por una big band, una orquesta con sección de viento, steel guitars y fiddles. Sus pioneros fueron gente como Bob Wills, Milton Brown o los Modern Mountaineers.



Curiosamente no fue llamada western swing hasta finales de los años 30. La adición del boogie llevó a artistas como Moon Mullican, antiguo western singer, a ser precursor del nuevo estilo que se llamaría rockabilly.



El western swing es el primer gran estilo country con una difusión masiva en Estados Unidos y un éxito arrollador que dominaría la escena musical durante 25 años y que aún hoy impregna las raíces de muchos artistas actuales, como Asleep At The Wheel, Willie Nelson, Merle Haggard y tantos otros.