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Hank Williams recibe una Mención
Especial del Premio Pulitzer

La leyenda de su figura sigue creciendo

Más vale tarde que nunca, que se lo digan al Grand Ole Opry, que le expulsó y aún no lo quiere readmitir a título honorífico. Hank Williams, el padre de la música country contemporánea y del honk tonk ha recibido una Mención Especial del Premio Pulitzer.

El artista ha recibido este premio, más de 50 años después de su muerte basándose en los logros de su vida, tras una encuesta realizada entre expertos en música popular.

"No creo que la sombra de ningún otro artista country sea tan alargada como la suya, como compositor y como intérprete", dijo Jay Orr, vicepresidente de los programas del museo en el Country Music Hall of Fame. Una exposición de la familia Williams se exhibe en el museo hasta 2011. Recordemos que Hank tuvo un hijo "legítimo", Hank Jr. y una hija fuera del matrimonio, Jett. Hijos de Hank Jr. son Hank III, Holly y Hillary.

"Sus canciones son obras maestras. Pero hay una mística en torno a su carácter que todavía fascina a la gente que vino por detrás de él... Hank era el ideal romántico del Shakespeare hillbilly y su legado cultural continúa creciendo".

Las notas de la mención incluyen su catalogación como "Artesano como compositor" y su "papel central en la transformación de la música country en una fuerza cultural y musical en la vida americana". Hank Williams se une así a otros destacados artistas agraciados con el premio como Bob Dylan, Thelonious Monk y John Coltrane, entre otros.

Hank Williams murió el 1 de enero de 1953, a la edad de 29 años, truncando una corta pero brillantísima carrera que cambió la música popular americana. Entre sus éxitos figuran auténticos himnos de la música country 'Your Cheatin' Heart', 'Cold, Cold Heart' o 'I'm So Lonesome I Could Cry', que han sido grabados por cientos de artistas.

Hank Williams nació en Montgomery, Alabama, y creció en plena Gran Depresión americana, yendo a cantar gospel a la iglesia y soñando con interpretar música country. Imitaba a su ídolo Roy Acuff, hasta que se dió cuenta que tenía que cantar como él mismo. Fred Rose se fijó en él y le dió la oportunidad de cantar esas primeras canciones nacidas de esa nueva personalidad interpretativa. Su primer hit en MGM Records fue 'Move It On Over' (1947), preludio del rock & roll que arrasaría tras su muerte.

Según Orr, Hank Williams "llevó sus confesiones de honky tonk" a la gente trabajadora que se identificaba con la honestidad de Hank. "Él ayudó a legitimizar ese manera de mostrar su interior en canciones como 'Cold, Cold Heart'... '¿por qué no puedo ser libre de tu mente vacilante y descongelar tu frío, frío corazón?'" dijo Orr. "Eso es algo que nos hemos preguntado acerca de una mujer alguna que otra vez".

Fuente:

ABC News

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Hank Fort y el vodevil country

Prototipo de la elegancia sureña

El nombre de "Hank" nos evoca a Hank Williams, Hank Thompson, Hank Cochran... pero Hank Fort no era un hombre sino una mujer. Alma Louise Middleton Hankins Fort fue una cantante, actriz, compositora, profesora y autora que nació en Nashville, Tennessee,el 19 de junio de 1914 cuando Nashville aún no era la ciudad de la música.

Por tanto, Hank Fort no venía del campo hillbilly ni de una cabaña de la Blue Ridge Mountains, sino que era de "buena" familia. Su padre era el pintor Cornelius Hankins, y su madre fue una escritora para niños. Cuentan en IMDB que fue educada en la Peabody Demonstration School.

Con experiencia en el mundo del teatro y la música, Hank fue una de las pioneras de la radio. Ya en 1947 compuso el primer jingle (canción publicitaria) que se grabó en Nashville, un anuncio para Shyer Jewelers que se emitiría durante 20 años y que fue grabado por Aaron Shelton, un mítico ingeniero de sonido de la WSM.

A Hank Fort se la recuerda sobre todo por la divertida y pícara 'I Didn't Know The Gun Was Loaded', (No sabía que la pistola estuviera cargada), que cantó con indudable gracia. 'Put Your Shoes On Lucy (Don't You Know You're In the City?)' (Ponte los zapatos Lucy, ¿no sabes que estás en la ciudad?) fue grabada por muchos artistas y canciones como 'You Can't Hurt Me Now Cause I'm Dead' (No puedes herirme porque estoy muerta) marcan un estilo a medio camino entre la música country, las variedades, el pop, el swing y el humor.

Más canciones populares fueron 'Save Your Confederate Money, Boys, The South Shall Rise Again', 'Protocol', 'Pic-a-Nic-In the Park', 'Lady Bird', 'Cherry Blossom Spring', 'The Boardwalk', 'Southern Cookin'', 'My One Track Heart', 'I Love Connecticut', 'Tall Tales of Texas', 'Ah-Nah-Pahp-Pah-La Day', 'Can't Wait', 'My Favorite Friend' y 'The Written Guarantee'.

Hank fue durante muchos años un miembro activo y muy conocido de la sociedad de Washington D.C. donde residía en sus años de esplendor cuando actuaba en la radio, la televisión y los night clubs (poseía uno llamado Fotnightly donde enseñaba baile de salón y buenas maneras). Lo que suelen llamar el alma de la fiesta.

Hank Fort fue parte del vodevil "country", combinado con el swing, la música "ligera", el pop o el jazz es una mezcla musical bastante activa en los 50 y 60. Este tipo de cantantes como Hank Fort conseguían bastantes contrataciones en los clubs más "elegantes" de la ciudad, clubs de campo (country clubs), fiestas, celebraciones de ricachones y allí donde aún se bailaban bailes de salón, tango y otros estilos. Hank también fue parte de la high society local y se codeaba con senadores, políticos, empresarios, etc. gente adinerada en general. Es una parte de la música country alejada de la mayoría de los orígenes humildes de los artistas country como Loretta Lynn, Buck Owens o Merle Haggard. Es como si el sur se encontrase con el norte.

Hank Fort murió el 13 de enero de 1973. Tenía 59 años.

El vodevil americano
Por Antón García-Fernandez

El vodevil parte como un subgénero dramático que consiste en una comedia frívola, ligera y picante que da lugar a equívocos y situaciones cómicas, en la que se alternan partes cantadas con números musicales. Su nombre deriva del francés "vaudeville".

El vodevil, basado en la rica tradición del music-hall victoriano inglés, obtuvo una gran popularidad en Estados Unidos desde mediados del s. XIX, si bien su época dorada coincide con la transición entre el s. XIX y el XX, con los llamados minstrels. En el escenario del vodevil se daban cita artistas muy diversos que iban desde malabaristas, bailarinas y cómicos hasta futurólogos y lanzadores de cuchillos.

Por supuesto, la música tenía gran importancia, y todo espectáculo de vodevil que se preciase presentaba a tenores irlandeses, cantantes de ópera ligera y vocalistas de pop. La tradición del "blackface" (cantantes blancos que se pintaban la cara de negro y cantaban canciones en las que perpetuaban el estereotipo altamente racista acerca de la población negra) también tuvo una importancia capital en el vodevil. Pese a su innegable y deleznable racismo, el "blackface" es muy interesante musicalmente.

Por supuesto, en una época en la que no había radio ni televisión, el vodevil era en Estados Unidos una de las formas de entretenimiento más populares. A principios del s. XX existía una especie de circuito de teatros, algunos de mayor importancia que otros, y algunos de los grandes nombres artísticos del s. XX, desde Bob Hope a Al Jolson iniciaron sus carreras en el vodevil. Jolson, que se autoproclamó "the World's Greatest Entertainer" (y en nuestra opinión, lo fue en su época), fue uno de los verdaderos reyes del vodevil.

En algunas zonas rurales y del sur y del oeste de Estados Unidos se desarrollaron los llamados medicine shows, un espectáculo de vodevil realizado con escasos medios técnicos y económicos, y que se ofrecían desde una carreta con toldo, a modo de escenario.

Reunía en un sólo espectáculo números cómicos y musicales, que acompañan a un charlatán con el objetivo de vender elixires u otros productos presuntamente medicinales. Fueron una escuela para un gran número de músicos de blues y hillbilly, antes de la Gran Guerra.

A finales de los 30, con la llegada de las big bands y la era del swing y el apogeo de la radio, el vodevil perdió fuelle y parecía que sus horas estaban contadas. Pero la televisión lo revivió en los años 50, inesperadamente y de una manera indirecta. Los programas televisivos de variedades, como el "Steve Allen Show", el "Ed Sullivan Show" o el "Milton Berle Show" (Berle era un veterano del circuito de vodevil), estaban basados en la estructura de los espectáculos de vodevil, de tal modo que el vodevil sobrevivió bajo una forma distinta en la pequeña pantalla.

Ahí es donde entra nuestra amiga Hank Fort, demostrando que la música country y el pop en muchas ocasiones no se hallan tan alejados. De hecho, grandes cantantes de pop, como Bing Crosby, Tony Bennett, Patti Page o Jo Stafford, grabaron temas country de Hank Williams y otros. Y el legendario Fred Rose no sólo compuso clásicos del country sino también temas de pop de tanto éxito como ''Deed I Do', que se ha convertido en un estándar del jazz. En nuestra opinión, la interesante historia del vodevil estadounidense explica hasta cierto punto el sonido relajado y pulido de cantantes country como Hank Fort, que mezclaron diversas influencias para crear un estilo personal, vendible y de gran calidad musical.

Si os interesa el vodevil y el music-hall, os recomendamos que veáis las siguientes películas:

CHAMPAGNE CHARLIE: Película británica de los años 40 que recrea el ambiente del music-hall londinense de la época victoriana.

THE JOLSON STORY / JOLSON SINGS AGAIN: Biopic en dos partes sobre el gran Al Jolson, un poco idealizada, pero muestra el ambiente del vodevil. El actor Larry Parks interpreta el personaje de Jolson y el propio Jolson, que aún estaba vivo cuando se hicieron estas películas, regrabó algunos de sus éxitos para la banda sonora.

THE JAZZ SINGER: La primera película sonora de la historia del cine, con Al Jolson en el papel protagonista. Cualquier otra de las películas de Al Jolson es también muy recomendable. En España se han editado ocho de ellas en DVD en versión original.

Fuentes:

IMDB

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The Louvin Brothers: Livin’, Lovin’, Losin’

Los Louvin Brothers fueron un dúo musical formado por los hermanos Charlie y Ira Louvin con una carrera en común relativamente breve, sin embargo, su impronta musical abarcaría décadas influenciando a muchas leyendas de la música country posteriores.

Nacidos y criados en una granja humilde de los Apalaches, en Alabama, como Lonnie Ira Loudermilk, (21 de abril de 1924 – 20 de junio de 1965) y Charlie Elzer (7 de julio de 1927), los Louvin Brothers fueron un dúo entre los grandes de la música country. Una pareja musical con una figura estelar Ira Louvin, para lo bueno: su voz de tenor alto y sus geniales composiciones; y para lo malo: su alcoholemia, que llevó finalmente a la disolución del grupo.

Sus influencias las podemos rastrear en grupos como los Bolick Brothers (The Blue Sky Boys), los Monroe Brothers, los Delmore Brothers, J. E. Mainer… pero en su caso, estilísticamente hablando, evolucionan desde el hillbilly, el gospel y el bluegrass, hacia un estilo más pulido y sofisticado, basando su potencia en las poderosas armonías creadas por los hermanos al mezclar la voz alta de Ira con la baja de Charlie, y aderezándolos con los sólos de mandolina de Ira.

Realmente Ira y Charlie, en una época dominada por el honky tonk y el naciente rock & roll con estrellas de la categoría de George Jones (en la foto de la izquierda junto a Ernet Tubb), Carl Smith, Elvis Presley, Carl Perkins, Webb Pierce, Faron Young, etc., etc., eran los neotradicionalistas del momento. Una mutación de la música de los Apalaches de la Carter Family y otros pioneros que resultó, hasta cierto punto, visionaria y no tan comprendida en su tiempo como lo fue más tarde. Y precisamente esa admiración no nació dentro de la música country sino en sus aledaños.

Los inicios del dúo Louvin hay que situarlos en una pequeña radio local Radio Twins de Chattanooga, en 1942, donde comenzaron a tocar en el show matinal con gente como los Foggy Mountain Boys. Tras las obligaciones militares de Charlie a principios de los 40 en la Segunda Guerra Mundial, volvieron a retomar el dúo y se trasladaron a Knowville, Tennesee, donde tuvieron una sección en el programa estelar de la WROL. Más tarde se cambiaron a la WNOX. Fue entonces cuando se cambiaron el nombre a Louvin ya que eran primos de John D. Loudermilk que se quedó el nombre familiar.

Y de una radio a otra, pero en Memphis y la WMPS. Allí fue precisamente donde grabaron un single para Apollo Records, pero acabaron volviendo a Knoxville.

En 1949, los Louvin Brothers grabaron un single para Decca Records que apenas tuvo eco comercial y dos años más tarde ficharon por MGM Records. En el año siguiente grabaron 12 canciones. Tras lo cual los dos hermanos volvieron a Memphis y trabajaron en la oficina postal local mientras actuaban en la radio y en honky tonks por la noche. Entonces llamaron la atención de la editorial Acuff-Rose, que les fichó como dúo y un contrato editorial.

El legendario Fred Rose, propietario de la editorial, les ayudó a firmar con Capitol Records. A pesar de estar más cerca de los sonidos de los 30, la guitarra eléctrica que modernizaba su sonido, introducida en una grabación por Chet Atkins, el talento de sus composiciones, la voz de Ira, junto a las armonías del dúo crearon la nueva “retromarca” musical, que trataba temas temas característicos como Dios, el amor y la familia.

Su primer single fue “The Family Who Prays” que tuvo un éxito moderado y en esas, a Charlie le volvieron a llamar del ejército para la guerra de Corea. Cuando finalmente volvió, los Louvin se trasladaron a Birmingham, en su estado natal de Alabama, planeando volver a reformular su carrera y tocando en la radio WOVK. Unos espabilados, el dúo Rebe & Rabe, habían aprovechado el impass de los Louvin para colarse en el mercado musical con unas armonías “marca Louvin” y los propios temas de los Louvin. Era complicado volver a reverdecer laureles con rémoras como estas. Pero he aquí que apareció Ken Nelson (mentor de Buck Owens y tantos otros del sonido Bakersfield) y convenció al Opry de que debían actuar en él.

Hasta entonces los Louvin habían sido etiquetados como un grupo gospel, pero comenzaron a tocar temas seculares, como "When I Stop Dreaming". El single alcanzó el top 10 en el otoño de 1955 y se convirtió en un standar de la música country. Tras el cual llegó "I Don't Believe You've Met My Baby", que estuvo dos semanas en el número 1 a principios de 1956. Ese mismo año otros tres singles traspasaron la barrera del top 10: "Hoping That You're Hoping", "You're Running Wild" y "Cash on the Barrel Head".

Al mismo tiempo editaron dos álbumes Tragic Songs of Life con temas fantásticos como “Kentucky” y "Nearer My God To Thee." Un éxito en toda regla ya que en ese mismo año el rock & roll había arrasado en listas y ventas. Aún así no pudieron escaparse al arrollador éxito del nuevo género que todavía por aquel entonces se colaba en listas country.

En 1957 tuvieron dos nuevos éxitos "Don't Laugh" y "Plenty of Everything but You". En 1958 "My Baby's Gone" al canzó el top 10 y en 1959 su versión de la clásica balada "Knoxville Girl" tuvo un éxito moderado. Tras lo cual fueron presionados desde Capitol para que evolucionasen su sonido. Grabaron un par de temas rockabilly pero sin especial éxito. Ken Nelson les sugirió que debían eliminar la mandolina e intentar captar la audiencia de los Everly Brothers. A lo cual los Louvin se negaron, pero esta apreciación “crítica” marcó a Ira que comenzó a beber demasiado.

Durante los primeros 60 los Louvin grabaron álbumes de homenaje como a los Delmore Brothers y trabajos gospels como Satan Is Real, así como diversos singles: "I Love You Best of All" (top 12) y "How's the World Treating You" (top 26) en 1961, primeros éxitos desde 1957. Pero el alcoholismo de Ira que arruinaba actuaciones y dificultaba la relación entre los hermanos y en general la carrera en común comenzó a agravarse y tras un último single exitoso "Must You Throw Dirt in My Face", en el otoño de 1962, el dúo decidió separarse en verano de 1963. Uno de sus últimos temas en común de esa época fue "I Can´t Keep You In Love With Me".

Los dos continuaron sus carreras en solitario dentro de la Capitol, pero el primer éxito se lo llevó Charlie con su single de debut: "I Don't Love You Anymore", que llegó al número 4 en listas en 1964. Durante la siguiente década tuvo hasta 30 singles en listas pero ninguno alcanzó el top 40. La magia parecía que se había desvanecido.

Pero ¿qué fue de Ira?, poco después de separarse de Charlie, Ira tuvo una pelea alcohólica monumental con su tercera mujer, Faye, la cual casi le mata de un disparo. Al recuperarse continuó actuando con su cuarta mujer, Anne Young.

En 1964 editó The Unforgetable Ira Louvin, su único álbum en solitario en el que tocaba con mandolina y guitarra eléctricas. Pero la muerte y la fatalidad le acechaban. El dúo, Ira y Anne, actuaba en la zona de Kansas City en junio de 1965, cuando resultaron muertos en un accidente de automóvil en Williamsburg, Missouri. Tras su muerte “Yodel, Sweet Molly" tuvo cierto éxito.

La reputación de los Louvin Brothers, un dúo, hasta cierto punto poco apreciado en su momento continuó creciendo y extendiendo su influencia en las generaciones venideras, especialmente en las esferas del country folk rock como los Everly Brothers y Gram Parsons, y a través de este volvió a la música country en la voz de la angelical y divina Emmylou Harris cuya voz se adapta como un guante a temas maravillosos como “If I Could Only Win Your Love”, “You're Learning” o “The River Of Jordan”.

Desde entonces su leyenda no ha hecho más que crecer y sus temas, auténticas joyas originales, bellas y rotundas magnifican el legado de unos artistas que han entrado en la leyenda country por derecho propio. Por rescatar un legado, por adelantarse a su tiempo. Desde 1991 forman parte del Country Music Hall of Fame.

Hay quien posiciona a los Louvin como el link entre los Delmore y los Everly, pero a mi entender hay que ir más allá y a la vista de las pruebas, más bien hemos de situar la influencia musical de los Louvin como link entre la vieja y la nueva tradición o un antecedente del nuevo tradicionalismo revelado por el psicodelic country de Gram y la recuperación estilística tradicional propiciada más tarde por Emmylou Harris y la Hot Band, con grandes versiones como "When I Stop Dreaming" de Johnny Cash, "If I Could Only Win Your Love" de Emmylou Harris, "The Christian Life" de The Byrds, "Cash on the Barrelhead" de Dolly Parton, "The Great Atomic Power" de Southern Culture on the Skids, "Must You Throw Dirt In My Face" de Elvis Costello, "The Angels Rejoiced Last Night" de Gram Parsons y Emmylou Harris, "Knoxville Girl", "When I Stop Dreaming", "I Don't Believe You've Met My Baby", "Alabama" y "Satan Is Real" de Gram Parsons.

En 2003, artistas como James Taylor, Patty Loveless, Merle Haggard y Dolly Parton rindieron tributo a los Louvin Brothers en un fantástico disco de la Universal South titulado Livin’, Lovin’, Losin’: Songs of the Louvin Brothers.

Discografía:

Tragic Songs of Life (Capitol 1956)
Louvin Brothers (MGM 1956)
Nearer My God to Thee (Capitol 1957)
Charlie & Ira (Capitol 1958)
The Family Who Prays (Capitol 1958)
Country Love Ballads (Capitol 1958)
Satan Is Real (Capitol 1960)
My Baby's Gone (Capitol 1960)
Encore (Capitol 1960)
A Tribute to The Delmore Brothers (Capitol 1960)
Christmas With The Louvin Brothers (Capitol 1961)
The Weapon of Prayer (Capitol 1962)
Keep Your Eyes on Jesus (Capitol 1963)
The Louvin Brothers Sing and Play Their Current Hits (Capitol 1964)
Unforgetable Ira Louvin (Capitol 1964)
Thank God For My Christian Home (Capitol 1965)
Two Different Worlds (Tower 1966)
Ira & Charles (Hilltop 1966)
The Great Roy Acuff Songs (Capitol 1967)
Country heart And Soul (Tower 1968)
The Great Gospel Singing (Capitol 1973)
At New River Ranch (Collec. Classic 1975)
I Don´t Believe You Met My Baby (Hilltop 1976)
Songs That Tell You A Story (Rounder 1978)
Close Harmony (Bear Family 1992) 8 cd´s con la discografía completa en Capitol

Fuentes:

Allmusic.com
Countrymusichalloffame.com
The Louvin Brothers Wikipedia
The Louvin Brothers LP Discography
Porchspins Blog

Leer más 1 Comment | Publicado por Andoni Urkiaga |

Jerry Byrd, maestro de la Lap Steel Guitar

Jerry Byrd nació en Lima, Ohio, el 9 de marzo de 1929. Era el mayor de cinco hijos y a los 13 años ya mostró interés por la steel guitar hawaiana al verla interpretar en un espectáculo ambulante. Su primera influencia fue Leon McAuliffe, a quien Jerry vió en una película con Bob Wills. Jerry estaba tan impresionado que vió la película cuatro veces sólo para ver y escuchar a Leon tocar "Ida".

Con sólo 14 años Jerry adquirió su primera steel guitar, un modelo Spiegel de 65 dólares, completa, con amplificador, tras trabajar como pintor de brocha gorda para pagarla. Ron Dearth fue quien le enseñó cómo tocarla.

En 1936 pudo comprarse un modelo superior, una Electro Rickenbacher, de seis cuerdas, de baquelita, comprada por 150 dólares. Esta guitarra está expuesta en Nashville, en el Country Music Hall of Fame desde noviembre de 1966, y ha sido escuchada en cientos de grabaciones que Jerry Byrd realizó durante la primera parte de su carrera.

Jerry fue en gran parte "autodidacta", y realmente disfrutaba tocando el tipo de baladas que Red Foley cantó y grabó durante los años 40 y 50. Las famosas palabras de Jerry a todo el que empezaba a tocar eran siempre: "practica, practica, practica".

Hacia el año 37, Jerry tocaba música al estilo hawaiano en clubes de Lima y Cincinnati, Ohio, y en la zona de Kentucky. Además, la radio WBLY de Lima era una base frecuente para las actuaciones musicales de Jerry. En ese mismo año comenzó a tocar en el Renfro John Lair Barn Dance Valley de Dayton, Ohio, al sur de Lima que se emitía en la WLW Cincinnati.

Fue precisamente en el Renfro Valley cuando Jerry comenzó a tocar con artistas como Ernie Lee, Red Foley, Homer y Jethro. Tenía un gran éxito.

Más tarde el Renfro Valley Dance fue transmitido por la NBC y la CBS Radio Networks. Su primer programa de radio ya en Kentucky, fue el 4 de noviembre de 1939, donde permaneció hasta 1942.

El 9 de octubre de 1940, Jerry y el guitarrista Ernie Lee Cornileson, bajo el nombre de "The Boys Happy Valley", grabaron ocho duetos para la Bluebird RCA Label, en Atlanta, Georgia. Por aquella época Jerry Byrd fue quien concibió y desarrolló el ajuste C6th que hoy en día, es una de las "normas" al tocar la steel guitar. Jerry poseía un sonido sin igual por aquel entonces.

En 1941 es hospitalizado por una apendicitis y posteriormente cae gravemente enfermo con una neumonía que tarda tiempo en curarse y que le deja secuelas, por lo que se pierde la Segunda Guerra Mundial. En julio de 1942, Jerry se casó con Thelma Marie McWiley.

Jerry Byrd y Ernie Lee

Jerry continuó tocando junto con Ernie Lee, esta vez en la WJR de Detroit, Michigan, sobre 1944, una radio de gran difusión.

Hacia 1946 ya tocaba con Ernest Tubb y sus Texas Trobadours en el "Midnight Jamboree". Los salarios eran la friolera de 75 dólares por semana. Durante este tiempo, se interpretó a sí mismo en la historia de la vida de Ernest, una película de Hollywood, titulada Barn Dance, filmada en California. Descontento con todos los viajes y el estrés físico causado por ella, Jerry dejó el grupo de Tubb.

En 1947 se unió a Red Foley y sus Cumberland Valley Boys, en la NBC-WSM. Red y Jerry fueron grandes amigos fueron los mejores amigos durante varios años, es decir, hasta que Jerry descubrió que le había estado pagando menos.

En 1948 volvió a la WLW de Cincinnati, donde tocó regularmente durante los próximos tres años, con los Pleasant Valley Boys, Jerry Byrd (steel guitar), Zeke Turner (guitarra), Tommy Jackson (fiddle) y Louis Innis (voz y guitarra rítmica).

Jerry grababa por aquella época con King Records, para Cowboy Copas, Hawkshaw Hawkins, Hank Williams, Grandpa Jones, Fred Rose y otros. Su estrella estaba en auge.

Fue allí en Cincinnati, donde Jerry Byrd grabó su primer single para Mercury Records como solista de steel guitar "Drowsy Waters" a los que siguieron "Steelin' the Blues" con Rex Allen cantando, "Byrd's Boogie", "Moonland", "Steelin' the Chimes";,"Wabash Blues", "Bandera Waltz", "Steelin' Is His Business", "Steel Guitar Rag", "Panhandle Rag", "Three String Swing" y "Kilima Waltz".

Jerry Byrd estuvo en el número con Rex Allen y su "Afraid", en 1950, y en el 7 con “Lose Your Blues” de Red Kirk.

También se puede escuchar a Jerry en "Have You Ever Been Lonely" de Ernest Tubb, “Blues In My Heart” de Red Foley y en el mítico “Lovesick Blues” de Hank Williams.

En 1951 graba un EP de 78 rpm "Nani Hawaii", en los que tocan Danny Kuaana, Al McIntire, Jorge Ku y Mel Peterson. Una grabación legendaria.

En noviembre de 1951, Jerry volvió de nuevo a Radio WSM en Nashville, Tennessee. Jerry se unió a George Morgan y su "Kids Candy". El 5 de enero de 1952, George y Jerry se fueron de gira por California y tocaron en el "Tex Williams NBC Radio Show-up Time". Se trataba de cubrir la baja temporal de Don Davis. Jerry dejó ese grupo en octubre de 1952, tras el regreso de Don Davis.

Hacia el año 1953, dicen que había 16 músicos de steel guitar, Jerry Byrd incluido, tocando en Nashville:

Bob Foster;

Dickie Harris-w/Ernest Tubb;

Jack Evins-w/Ray Price;

Buford Gentry w / Hank Snow;

Joe Talbot;

Howard White w / Cowboy Copas;

Johnny W Siberts/ Carl Smith;

Shot Jackson w / Johnny & Jack;

Don Davis w / George Morgan;

Pete Kirby (Oswald) w / Acuff;

Cliff Summey w / Lonzo y Oscar;

Don Helms;

Walter W Haynes / Jimmy Dickens;

Jackie W Phelps / Grandpa Jones.

Billy Robinson, w / Red Foley

Jerry y Chet Atkins unieron sus fuerzas y obtuvieron un show en la WSM: "Dos guitarras", que resultó ser muy popular. Jerry también trabajó en un programa de televisión diario con Eddie Hill y Grandpa Jones en la WLAC-TV de Nashville y en la WSIX-TV Folks Home.

Jerry no paró de tocar en los próximos años y de componer, canciones que publicaba con la Acuff-Rose Publishing Company y se cuenta que fue el descubridor de Dolly Parton.

En marzo de 1958: Jerry cambió su antigua Rickenbacker por un modelo BD Rickenbacher con "placas blancas". Al año siguiente tenía un nuevo disco en el mercado "Hawaiian Beach Party".

El 13 de junio de 1960 Jerry resulta gravemente herido en un accidente automovilístico y necesita varios meses de recuperación, con heridas en cara, tórax y rodilla. Aunque Jerry no fue el culpable no emprendió acciones legales contra el conductor del otro vehículo.

En abril de 1962, Jerry estaba tocando el bajo y muy poco la steel guitar. Jerry tocó el bajo en un álbum de Marty Robbins, era la época hawaiana de Marty.

En 1963 tocaba con Bobby Lord, cinco días a la semana en la WSM-TV. Otros miembros de la banda eran Jimmy Wilson, Joe Zinkan, Ferris Courey y Jerry Whitehurst. El programa continuó en sindicación nacional hasta 1968.

En 1964, Jerry hizo su primera visita a Hawai y se enamoró de las paradisiacas islas del Pacífico. Mientras estuvo allí, hizo una aparición en "Luau Lucky" sobre KHVH-TV y también fue entrevistado en Hawaii Calls de Webley Edward.

Para 1968, Jerry había tocado en 82 shows del Grand Ole Opry.

En la década de 1970, la popularidad del pedal steel guitar creció gracias al éxito de Webb Pierce y su Slowly en 1950 con el steel guitarrista Bud Issacs y su Bigsby pedal steel guitar.

Las sesiones de grabación y las intervenciones de Jerry habían disminuido lentamente durante este tiempo. La era de la pedal steel guitar finalmente había llegado.

Jerry eligió mantener su identidad musical y optó por no cambiar a la popular pedal steel guitar. Durante esta época, Jerry se veía obligado a tocar la guitarra o el bajo en los grupos de músicos con pedal steel guitar. Como resultado de ello, Jerry finalmente se cansó del "sonido Nashville". A pesar de la controversia, Jerry Byrd nunca tocó el pedal steel guitar, pero utilizó su C-diatonic en un esfuerzo por proporcionar un sonido parecido a la pedal.

En 1972: Jerry tomó la decisión de trasladarse a Honolulu, Hawai, donde continuó actuando en clubes locales, como el Delfín Azul y el Royal Hawaiian Surf Room. Y enseñando a tocar la steel guitar hawaiana, que ya no era ni de lejos popular en aquellas tierras.

Durante los años que siguieron, Jerry Byrd fue un factor importante en el renacimiento del interés por este instrumento. Y de su escuela salieron grandes intérpretes como Alan Akaka, Greg Sardinah y Casey Olsen.

Entre 1978 y 1997 tocó en Japón, donde era muy popular y altamente respetado, Australia y Nueva Zelanda, así como los Estados Unidos.

Fue honrado en 1978 como el primer guitarrista de steel en ingresar en el Salón de la Fama de la Steel Guitar de St. Louis, Missouri. Desde esa fecha, ha recibido un sinnúmero de otros premios por sus destacados logros musicales.

En 2001, Jerry estaba totalmente retirado y solo enseñaba. Murió de Parkinson en 2005 y sus cenizas fueron esparcidas en el océano Pacífico que tanto amaba.

Aunque a menudo Byrd bromeba sobre los intérpretes de pedal steel guitar, no tenía nada más que alabanzas para gente como Buddy Emmons, diciendo que había llevado a la Steel Guitar a nuevas fronteras.

Jerry Byrd y la hawaian steel guitar

Fuentes: